電子音樂

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電子音樂,亦簡稱電音,是使用電子樂器以及電子音樂技術來製作的音樂;而創作或表演這類音樂的音樂家則稱為電子音樂家。一般而言,使用電子機械技術與使用電子技術製作的聲音是可以區別的。[1]使用電子機械製造聲音的設備有電傳簧風琴英语Telharmonium漢門式電風琴英语Hammond organ電吉他;而純粹的電子聲音製造設備則有特雷門聲音合成器電腦

電子音樂一度幾乎完全與西方藝術音樂連結,但自從1960年代晚期以後,可負擔的起的音樂科技意味著使用電子方式製作音樂的方式變的越來越在流行的領域普遍。今日的電子音樂包含各式各樣以及範圍從實驗藝術音樂到流行形式如電子舞曲。

廣義的電子音樂,在一些電影配樂、廣告配樂、流行曲搖滾樂裏都會出現。但狹義而言,電子音樂則常指以電子製造或處理的聲音為主的種類,包括一些實驗性的電子原音音樂、亦包括各種電子舞蹈音樂(electronic dance music),如浩室鐵克諾音樂出神(Trance)與迴響貝斯等種類。電子舞蹈音樂與夜店迪斯科銳舞文化相關。夜店的舞蹈派對,常常會透過DJ播放電子音樂,或稱「打碟」。

起源:19世紀晚期到20世紀早期[编辑]

電傳樂器,泰岱斯·卡希爾英语Thaddeus Cahill,1897
1928
1998

古希臘哲學家數學家畢達哥拉斯開始研究聲音和物理的關係,這些理論對文藝復興以後的音樂以至電子音樂都有重大影響。在十七世紀,英國哲學家弗蘭西斯·培根在著作《新亞特蘭蒂斯》裏描寫一個幻想的國度裏,有獨特的房間可以將任何聲音製造或複製出來。在此以後,不少科幻小說都曾描述類似的音樂設備。

1857年法國科學家史考特發明了錄音技術,可以將聲音紀錄,但尚未能將之播放。1878年愛迪生發明了留聲機,以滾筒錄音,並以喇叭將聲音放大播放。1887年埃米爾·貝林納發明以唱片錄音並放大的留聲機。大約1900年出現以磁帶紀錄聲音的技術,但尚未成熟。1901年李·德佛瑞斯特發明真空管,自此以後,錄音技術可以廣泛地用於電子音樂、收音機廣播等等。

音樂盒是影響電子音樂的前身之一。1815年出現了第一個以彈簧控制的音樂盒。1876年美國的艾奧利安公司(Aeolian Company)發明了自動彈放鋼琴,和音樂盒一樣,以鋼琴捲簾紙(Piano Roll)紀錄音符的時間。在錄音技術尚未成熟之前,不少當時的鋼琴家都曾經透過鋼琴捲簾紙紀錄了演奏。而這種鋼琴捲簾紙的紀錄方法,後來被應用到樂器數位介面(MIDI), 至今很多數碼音樂軟件(DAW)都有採用。

紀錄聲音的能力常被連結到電子音樂的產生,但不是絕對必要。最早的聲音記錄裝置是1857年由法國人愛德華-里昂·史考特·迪馬丁維爾(Édouard-Léon Scott de Martinville)註冊專利的聲波記錄儀(phonautograph)。它外表上可以記錄聲音,但是無法回放。

1876年,工程師耶里夏·葛雷(Elisha Gray)發表了電子機械震盪器的專利。這個「音樂電報」由他於電話科技的實驗以及早期尚存的電子聲音製作的專利演變出。這個震盪器由亞歷山大·格拉漢姆·貝爾為早期的電話延伸出來。1878年,湯瑪斯·愛迪生由此震盪器進一步發展出留聲機,跟史考特的裝置類似,都使用了活塞。雖然活塞繼續被使用一段時間,1887年愛米爾·貝利納發展出了碟式的留聲機。李·德富雷斯特於1906年的發明——3極真空管在之後的電子音樂有深刻的效果。它是第一個熱電子閥或者稱真空管,導致電路可以創造且放大音樂訊號、放送廣播波形、計算數值,並且進行其他各種功能。

在電子音樂以前,作曲家們對於使用科技創作新興音樂有著逐漸增加的期望。一些儀器使用電子機械設計來創造出並且鋪陳出之後電子樂器的興起。一個叫做電傳簧風琴英语Telharmonium的電子機械儀器於1898年至1912年由泰岱斯·卡希爾英语Thaddeus Cahill發展出。然而,因為它巨大體積所造成的不便阻礙了它被大量採用機會。

最常被提及的一項早期電子樂器為特雷門,由李昂·特雷門英语Léon Theremin教授於1919年至1920年發明,是以手控制無線電波來製造聲音。其他早期的電子儀器包括1915年由李·德富雷斯特發明的三極真空管鋼琴;1926年由尼可萊·歐布科夫英语Nikolai Obukhov發明的十字發聲器英语Croix Sonore;以及1926年法國人莫里斯·馬特諾英语Maurice Martenot發明的馬特諾音波琴,後者被法國作曲家奧立佛·梅湘使用於知名的愛之交響曲英语Turangalîla-Symphonie,以及他之後的作品當中。馬特諾音波琴還被安德烈·若利韋等其他主要的法國作曲家們所採用。

新音樂美感的描述[编辑]

1907年,也就是三極真空管發明後的一年,意大利鋼琴家及作曲家費盧西奧·布索尼出版了《音樂新美感的描述》(Sketch of a New Esthetic of Music),裡頭討論到電子及其他新聲源在未來音樂的應用。他寫到未來在音樂的調微音調尺度,可能被卡希爾的電傳裝置加以實現:「只有長期而仔細的系列實驗,以及持續的對耳朵加以訓練,才能在將來的世代以其藝術裡,令這種不熟悉的素材變成可達成且可塑造。」[2]

布索尼在《音樂新美感的描述》中也陳述:

音樂作為一種藝術,即我們常稱的西方音樂,已經幾乎有400年的古老歷史;目前仍處於一種發展狀態,可能是超越現今概念的最初發展,然而我們談論「古典」以及「神聖的傳統」,卻已經有很長一段時間了!

我們有著公式化的規矩,指定的原則,嚴格發號施令;……我們用這些規則培育一無所知的孩子!

如此年青的孩子,已足以令人察覺其擁有耀眼的特質,這特質令其明顯超越所有的姐姐。制訂規則者將看不見這非凡的特質,免得他們的規則被丟入風中。這孩子漂浮在空中!並非以腳接觸地面,不知道萬有引力定律,近乎無形。其材質透明,是能發出聲響的空氣,幾乎就是大自然本身。它是——自由的!

然而自由是人類從未完全體會的東西,從未完整實現。他們也未能識別或承認。

他們否認這孩子的任務;他們令其背負沉重壓力。這個有活力的傢伙必須體面的走路,就像其他人一樣。可能幾乎不被允許跳躍——但他將娛快地跟隨彩虹的的軌跡,並且利用雲朵來切開太陽的光線。

經由此一著作,以及個人的直接接觸,布索尼深深地影響了許多音樂家及作曲家。可能是他最著名的弟子埃德加·瓦雷兹就說道:

我們在一起討論未來世界會有什麼樣的音樂方向,甚至,是否應該繼續受到調音系統的約束。他(布索尼)哀嘆他自己的鍵盤樂器讓我們的耳朵調適成只能接受自然界無限多聲音階層中的極小部分。他對我們剛知道的電子樂器非常有興趣,記得特別清礎的是當他讀到電傳簧風琴那一刻。經由他的各種著作,我們可以發現對於未來音樂的預測已經一次又一次成真。事實上,幾乎沒有一項發展他沒預測到,例如這個極不尋常的預言:「我幾乎認為在這新的偉大音樂裡,機器也將會變得必要,並且會在裡頭分配到一定的角色。也許,工業也是,將會在藝術境界的提昇上佔有一定的地位。」

未來派藝術家[编辑]

義大利未來派藝術家以另一角度來達成音樂美學的改變。未來派藝術家哲學中的一個主要信念是珍視「噪音」,並且將之前沒有被考慮,甚至離音樂性有點遙遠的聲音藝術和表現價值置放進來。巴利拉·普拉特拉英语Francesco Balilla Pratella在其著作《未來音樂的技術宣言》(1911年)中陳述到他們的信條是:「展示民眾、大工廠、鐵路、大西洋客輪、戰艦、汽車及飛機的藝術靈魂。將機器以及電子的勝利王國領域加入音樂史詩的偉大中央主題。」

1913年3月11日,未來派藝術家路易吉·盧梭羅英语Luigi Russolo將他的宣言《噪音的藝術》出版。1914年4月21日,他在米蘭舉辦第一次的「噪音的藝術」音樂會。其中使用到他的吟誦躁音(Intonarumori), 據盧梭羅自己表示為「聲學的噪音儀器,其聲音(怒吼、呼嘯、攪亂、汩汩水聲等……)由人手啟動,並且經由喇叭跟話筒來投射。」6月,他在巴黎舉辦了幾場類似的音樂會。

1920年代到1930年代[编辑]

這十年帶來了大量的早期電子樂器,以及第一次使用電子樂器作曲。第一部電子樂器稱為以太發聲器(Etherophone),是李昂·特雷門英语Léon Theremin(出生時叫列夫·特雷門)於1919至1920年間在列寧格勒創造出來,後來重命名為特雷門。它帶領出第一次針對電子樂器的作曲,與噪音製造器及其再衍生設備形成對比。1929年,約瑟夫·席林格英语Joseph Schillinger創作了《特雷門與管弦樂團第一組曲》(First Airphonic Suite for Theremin and Orchestra),於克里夫蘭管弦樂團進行首演,並由李昂·特雷門擔任獨奏。

除了特雷門之外,馬特諾音波琴於1928年由莫里斯·馬特諾英语Maurice Martenot發明,並在巴黎首次露面。隔年,喬治·安泰爾英语George Antheil第一次為機械裝置、電子噪音製造器、馬達及擴音器作曲,應用於他未完成的歌劇《花先生》(Mr. Bloom)。

錄音設備的發明使得電子音樂有了跳躍式的演進。1927年,美國發明家J·A·歐尼爾(J. A. O'Neill)利用在橡膠表面塗布一層磁性物質,開發了一種錄音裝置,然而在商業上卻失敗了。兩年後,勞倫斯·漢門英语Laurens Hammond為製造電子樂器而建立了他自己的公司。他繼續製造漢門式電風琴英语Hammond organ,這是基於特雷門的原理,並伴隨包括早期迴響裝置等其他發明[3]。漢門與約翰·漢那特(John Hanert)、C·N·威廉斯(C. N. Williams)繼續合作開發其它電子樂器,例如諾瓦合音琴英语Novachord是由漢門的公司於1939至1942年間製造。[4]

用於電影藝術上的光學聲音紀錄方法讓聲音的影像可視化變為可能,除此以外也領悟到另一面—從一人造的聲音波形來合成聲音。在同一時期,聽覺藝術實驗開始進行,早期的參與者有崔斯坦·查拉英语Tristan Tzara柯特·希维特斯英语Kurt Schwitters菲利波·托馬索·馬里內蒂等人。

發展:1940年代至1950年代[编辑]

電子聲學錄音帶音樂[编辑]

低傳真磁性鋼絲錄音英语Wire recording大約從1900年就開始使用[5]。到了1930年代初期,電影工業開始轉換成基於光電池而開發的新型光學式聲音伴隨影片錄像系統[6]。大約在同一時期,德國電子公司AEG發展出第一套實用化錄音帶系統「磁音機英语Magnetophon」K-1,並於1935年8月在柏林國際廣播展發表[7]。磁帶比唱片在錄音技術上有更大的彈性,可以重新再錄,亦可以剪接。自此以後,磁帶被廣泛應用於收音機廣播及有聲電影

第二次世界大战期間,瓦爾特·韋伯(Walter Weber)再發現並且應用了交流偏磁英语Tape bias技術,該技術藉由加入一個聽不見的高頻音調,戲劇性地改善了磁性錄音的保真度。它將1941年份K4磁音機的頻率曲線延伸至10kHz,並且提昇動態範圍至60dB[8],超越當時所有已知的錄音系統[9]

早在1942年,AEG就已經進行立體聲錄音的測試[10]。然而這些裝置和技術一直對德國以外地區保密,直到二次大戰結束,當時被捕獲的磁音式錄音機及數卷法本公司生產的氧化鐵錄音帶被傑克·穆林英语Jack Mullin等人帶回美國[11]。後來Ampex公司就在這些錄音機及帶子的基礎上,發展出美國製造的第一部商業化專業帶式錄音機 Model 200[12],並獲得藝人平·克勞斯貝的支持,而他也成為第一批將廣播節目及專業錄音室錄音複製在錄音帶上的藝人之一[13]

磁性錄音帶為音樂家作曲家製作人工程師在聲音表現的能力上開拓了一個廣大的空間。錄音帶相對便宜而且非常可靠,它重製的保真性也比當時任何的聲音保存媒介更好。更重要的是,它提供如同電影膠卷般的操作可塑性,而不像唱片一樣死板。帶子可以在錄音或是播放期間減速、加速或甚至倒帶,因而常有著驚人的效果。它幾乎可以如同電影膠捲一般在實體上編輯,允許錄音裡不需要的段落被無縫的移除或置換;同樣地,其他來源的錄音帶段落可以被編輯進去。錄音帶也可以結合成無止盡的迴圈效果,也就是重複播放先錄好的素材。音效放大器以及混音設備可進一步擴展了錄音帶的表現能力,允許多重預錄各種聲音(現場聲音、演說或音樂),再加以混合並同時錄製到其他帶子,僅會有相當些微的保真度損失。其他預料之外的收穫是錄音機可以相對簡單地修改成迴音機英语Echo machine,用來製作複雜而可控制的高品質回聲混響效果(這些大部分不可能以機械方式達成)。

錄音帶的擴散最終導致了電子聲學錄音帶音樂英语Electroacoustic music的發展。第一個已知的例子是1944年由哈利姆·埃爾-達巴英语Halim El-Dabh作曲的,當時他的身份是埃及開羅的一個學生[14]。他利用笨重的鋼絲錄音機英语Wire recording錄製具有古老傳統的薩爾典禮,並在中東廣播電台錄音室使用混聲、回聲、電壓控制以及再錄製處理這素材。該成果命名為《薩爾的表達》(The Expression of Zaar),並於1944年在開羅的一個藝廊演出。雖然他以錄音帶為基礎所作成的初步實驗並未傳播到埃及以外地區,埃爾-達巴仍然以其後來在1950年代晚期於哥倫比亞-普林斯頓電子音樂中心英语Computer Music Center所創作的電子音樂作品而廣為人知。[15]

法國具體音樂[编辑]

在此前不久,巴黎的作曲家也開始利用錄音帶來發展一種稱為具體音樂的新作曲技術。這項技術牽涉到將事先錄好的大自然與工業聲音的片段編輯在一起。[16]巴黎的第一個具體音樂片段是由皮耶·薛菲英语Pierre Schaeffer組合而成,他後來則與皮耶·亨利英语Pierre Henry合作。

1948年10月5日,法國廣播公司英语Radiodiffusion-Télévision Française(RDF)播送了作曲家皮耶·薛菲的作品《火車習作》(Etude aux chemins de fer)。 這是《噪音的五項研究》(Cinq études de bruits)的第一個樂章,標誌了錄音室實際化與具體音樂(或聽覺藝術)的開始。薛菲採用一部切割圓盤用的車床、四部錄音轉播機、一部四頻道混音機、濾波器、一間回音室以及一套可攜式錄音設備。在此後不久,亨利開始與薛菲合作,這個合作關係可能對電子音樂的方向有深刻而持久的影響。另一位薛菲的夥伴埃德加·瓦雷兹開始創作《沙漠英语Déserts》,一首為室內樂團與錄音帶創作的作品。錄音帶的部分在皮耶·薛菲的錄音室製作,並且之後在哥倫比亞大學作修訂。

1950年,薛菲在巴黎高等音樂師範學院英语Ecole Normale de Musique de Paris舉行了具體音樂的第一次公開音樂會(非廣播)。「薛菲使用一套公共播放系統英语Public address system、好幾部錄音轉播機以及混音器。這個表演並不夠好,因為使用錄音轉播機創造現場綜合表演的手法從來沒有被做過。」[17]同年稍後,皮耶·亨利與薛菲共同創作了具體音樂的第一個主要作品《孤獨人交響樂》(Symphonie pour un homme seul)。1951年,由於世界潮流所趨,RTF(原RDF合併電視業務而成)在巴黎建立了第一個製作電子音樂的錄音室。同樣在1951年,薛菲與亨利為具體音樂與人聲創作了一部歌劇《奧菲斯》(Orpheus,希臘神話中彈豎琴的名手)。

德國電子音樂[编辑]

卡爾海因茲·史托克豪森在電子音樂錄音室WDR,德國科倫,1991

卡爾海因茲·史托克豪森曾於1952年在薛菲的錄音室短暫工作過,之後多年都在WDR英语WDR位於科隆的錄音室從事電子音樂工作。

1953年,NWDR英语NWDR在科倫正式設立廣播錄音室,後來成為全世界最有名的電子音樂錄音室。其實早在1950年該錄音室就已著手籌備,並在1951年就有產出作品並進行廣播。[18]該實驗室是威納·梅爾-艾普勒英语Werner Meyer-Eppler、羅伯特·貝爾(Robert Beyer)與赫伯持·艾默特英语Herbert Eimert(他成為第一個編輯者)等人的智慧結晶,不久又加入了卡爾海因茲·史托克豪森與哥特弗里德·邁可·寇尼格英语Gottfried Michael Koenig。梅爾-艾普勒曾於1949年在他的論文《電子發聲器:電子音樂與合成語音》(Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache)中推想出完全以電子製作信號合成音樂的概念;在這方面,德國的電子音樂明確地與法國的具體音樂區分開來,因為具體音樂是使用實際聲音作為來源。[19]

「由於史托克豪森及莫里西歐·卡格爾英语Mauricio Kagel的坐陣,該錄音室變成一年到頭參訪者絡繹不絕、極富魅力的前衛大本營。」[20]這是在兩次結合電子產出聲音與傳統管弦樂團的作品——《混合英语Mixtur》(1964年) 與 《讚美詩,第三區與管弦樂團英语Hymnen》(1967年)發表後所獲得的評價。[21]史托克豪森表示他的聽眾反應說他的電子音樂帶給他們一個「外太空」的體驗、飛行的感覺或是感覺身處「奇幻夢境」。[22]最近,史托克豪森改在他位於屈爾滕的私人錄音室製作電子音樂,他的最新作品在傳媒中叫做《宇宙脈動英语Cosmic Pulses》(2007年)。

日本電子音樂[编辑]

當早期的電子樂器例如馬特諾音波琴特雷門特勞烏特琴英语Trautonium第二次世界大戰前的日本仍極少為人所知時,當時的一些作曲家如柴田南雄日语柴田南雄就已經知道這些樂器。戰爭結束後好幾年,日本音樂家開始實驗電子音樂;在一些機構的贊助下,作曲家得以應用最新的聲音錄製及處理設備。這些努力展現亞洲音樂英语Music of Asia與新興潮流的融合英语Fusion (music),並且最終為日本在數十年後成為音樂科技發展的主宰者鋪設了一條道路。[23]

隨著電子公司索尼(當時稱為東京通信工業株式會社)於1946年的創建,兩位日本作曲家武滿徹與柴田南雄於1940年代晚期各自寫到關於電子科技製作音樂的可能應用。[24]在1948年,武滿徹構想出一項可能「於一個小的忙碌的管子內帶噪音進入經過萃煉的音樂基調」科技,是一個同年類似皮耶·薛菲的具體音樂的概念,當時武滿徹還未被查覺到直到幾年後。在1949年,柴田南雄寫到他的概念關於「一個高性能的音樂儀器」這可以「合成任何類型的聲波」並且是「非常容易操作」,預測這樣的樂器「音樂的認知將會被巨大的改變」。同年,Sony發展了磁性帶式錄音機G-Type,[25]它成為一項法庭以及政府機關的受歡迎錄音裝置,也導致1951年Sony為家用發表H-Type。[23]

在1950年,實驗工坊電子音樂錄音室由一群音樂家成立,為了使用Sony錄音機製作實驗電子音樂。它包括了音樂家如武滿徹、秋山邦晴日语秋山邦晴以及湯淺讓二日语湯浅譲二,並且由Sony贊助,讓他們可以接觸最新的音樂科技,雇用武滿徹來創作電子錄音帶音樂來展示他們(SONY)的帶式錄音機,並且贊助音樂會。第一個從這個群體的電子音樂錄音帶是" Toraware no Onna "(日:被束縛的女人)以及"Piece B",由秋山邦晴於1951年完成。他們製作的許多電聲學的錄音帶經常用來作為廣播,電影以及劇場的配樂。他們也舉辦了一些音樂會如1953年的"實驗工作坊,第五次展示",該場使用一個"自動滑動"機器,由Sony發展出,讓同步化aslide秀伴隨一個於錄音機上錄製的音軌變為可能;他們在Sony的錄音室內使用製作此場音樂會相同的裝置。這場音樂會伴隨著他們製作的實驗性的電子聲學錄音帶音樂,預期了當年之後在日本引進的具體音樂。更甚於實驗工坊,幾位作曲家例如,芥川也寸志日语芥川也寸志富永三郎日语富永三郎深井史郎日语深井史郎也於1952至1953年間進行了製作radiophonic錄音帶的實驗。

日本經由黛敏郎引進了具體音樂,他在1952年參與了薛菲在巴黎的音樂會。他回到日本以後,他為了1952年的喜劇Carmen Jyunjyosu (日:卡門的純潔內心)實驗了一個簡短的錄音帶音樂,並且製作了《X,Y,Z為具體音樂》,於1953年由JOQR電台播送。黛敏郎也為三島由紀夫的1954年廣播劇《拳擊》製作了其他具體音樂作品。然而,薛菲的法國概念objet sonore (法:聲音物件)沒有影響到日本作曲家,取而代之的,他們的主要興趣是音樂科技,依據黛敏郎,克服了"人類表演的材料與邊界"限制。這導致了一些日本電聲學音樂家使用十二音階作曲技術,最明顯的例子是入野義朗日语入野義朗在1951年的十二音體系作品《照相機的音樂會》(意:Concerto da Camera),以黛敏郎的《X, Y, Z為具體音樂》以及之後在1956年柴田南雄的電子音樂組織電子聲音。

跟隨著建立於1953年的科倫錄音室,日本NHK公司也在東京建立了領導世界電子音樂的機構,NHK錄音室,於1954年,備有例如基調產生以及音樂處理設備的科技、錄音與聲光設備、馬特諾音波琴、測弦器以及Melochord、三角波震盪器、帶式錄音機、鳴響調諧器、帶通濾波器,以及4通道跟8通道混音器。這個錄音室包含的音樂家有黛敏郎、柴田南雄、湯淺讓二、一柳慧日语一柳慧以及武滿徹。這個錄音室的第一個集成作品在1955年完成,包括黛敏郎的5分鐘作品《學習 I:Sine波音樂由質數調和》、《由質數調諧波形的音樂》以及《方波以極鋸齒波的發明》,由錄音室裡的各種基調產生能力製作,以及柴田南雄的20分鐘立體聲作品"為數位廣播的具體音樂"。

梯郁太郎日语梯郁太郎在1940年代成立了一個修理工坊稱作梯錶店專門修理手表跟收音機,並且在1954年成立梯無線,它在1960年發展成為Ace Tone公司,並且在1972年成為Roland Corporation。梯郁太郎開始於1955年製作電子音樂樂器,基於創造能產生單聲部的旋律的裝置這目標。在1950年代晚期,他製造特雷門,馬特諾音波琴以及電子琴,並且在1959年製作出夏威夷吉他放大器與電子風琴。

1950年代[编辑]

1956年艾默特(Herbert Eimert)的《乐曲五首》、施托克豪森的《青年之歌》等陆续问世。

五十年代电子音乐是计算就绪后再进行制作的,音的频率、时值、音量、起音、衰减、混响等均记于一定的座标纸上,再用磁带经过多次分录及混录而成。

1956年左右羅伯特·穆格(Robert Moog)发明包括振荡器放大器、程序控制器等在内的功能相当复杂的“电子发声合成装置”,使电子音乐的制作过程大为简化;制作者不但可以随意获取所需的声音,细微控制其波形、包括曲线等,而且能听到最后的音响。

美國電子音樂[编辑]

在美國,電子音樂在1939年早期被創造出來,當時John Cage 出版了 Imaginary Landscape, No。 1(想像的風景第一部),使用兩部可變速的唱機轉盤,頻率錄音機,無聲鋼琴以及鐃拔。Cage於1942~1952年間製做了另外四部"想像的風景",全部都包含了電子元素。在1951年, Morton Feldman之後與Cage合作,製作了一個名為"邊緣交叉"的作品,為風聲,銅管樂器,敲擊樂器,弦樂器,2震盪器以及極有吸引力的聲音效果譜寫,並且這個譜寫用了Feldman的影像註解。

磁帶計畫的音樂由New York School的成員 (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor, and Morton Feldman)形成,並且維持了3年直到1954。Cage為這個合作寫到:"在這個黑暗的社會,然而, Earle Brown, Morton Feldman, and Christian Wolff 的作品持續展示了智慧的光亮,為 一些觀點的註解,表演以及聽覺,行動 此理由是刺激的"

Cage於1953年完成了Williams Mix,當時他於為"磁性錄音帶音樂計畫"工作。這個團體沒有固定的機構,並且必須要依靠向商業聲音錄音室借來的時間,包括Louis and Bebe Barron錄音室。

哥倫比亞-普林斯頓中心[编辑]

在同年,哥倫比亞大學購買了第一套帶式錄音機。。。一套專業的Ampex機器。。。為了錄製音樂會的這個理由。 Vladimir Ussachevsky,他在哥倫比亞大學的音樂院,負責這個裝置,並且幾乎立刻開始對它的實驗。 Herbert Russcol寫到:"不久他被這新的響亮迷住了,他藉由錄製樂器達成,並且之後將它們互相重疊。" Ussachevsky之後說道:"我意外地領悟到錄音機可以被視為一個聲音轉變的儀器。"在星期四,1952年5月8號, Ussachevsky呈現了數種音樂錄音帶/錄音帶效果的展示,於他所創立的作曲家論壇,在哥倫比亞大學的McMillin劇院。這裡包含了變調,迴響,實驗,組合以及水下華爾滋。在一次的訪談中,他說道:"我呈現了一些我在紐約公開音樂會發現的例子,伴隨著其我曾為傳統樂器寫過的組合。" Otto Luening,他參與了這場音樂會,註解到:"在它配置的這設備從在一個Ampex帶式錄音機。。。以及由年輕的天才工程師, Peter Mauzey設計的一個簡單的盒狀裝置,用來創造回饋,一種機械式的迴響形式。其他設備是借來的或以個人資金購買的。"

就在3個月後,1952年的8月, Ussachevsky到Bennington旅行, Vermont 在 Luening的邀請下去展示它的實驗。在那裏,他們兩位合作出各式各樣的作品。 Luening描述這個事件:"備有耳機以及一支橫笛,我開始了我的第一次帶式錄音機組合的發展。我們彼此都是流利的即興詩人並且這個媒介點燃了我們的想像。"他們在非正式的派對上表演了一些早期的作品,在那裏"一群作曲家幾乎莊嚴地恭喜道'就是'這個了'('這個'意思是未來的音樂)。"

消息很快就傳到了紐約。 Oliver Daniel打電話並邀請這對人物來"為由美國作曲家聯以及逛播音樂公司盟贊助的十月音樂會製作一群簡短的組合,在 Leopold Stokowski指導下的紐約現代藝術博物館,在一些猶豫之後,我們同意。。。 Henry Cowell安置他的家跟位於Woodstock,紐約的錄音室,在我們的安排下。伴隨位於Ussachevsky後車箱的借來的設備,我們為了Woodstock停留在Bennington兩個星期。。。在之後的1952年9月,這間移動實驗室抵達了Ussachevsky位於紐約的房間,在那裏我們最終完成了這個組合。"

兩個月後,在十月28日, Vladimir Ussachevsky 與 Otto Luening於美國展示了第一次錄音帶音樂的音樂會。這音樂會包含了Luening的 "太空中的幻想"(1952)—"一個印象主義的藝術愛好者作品"利用熟練的橫笛錄音以及—'低速' " (1952),一個"採用橫笛遠低於它自然範圍的奇特組合。"兩部作品都是在Henry Cowell 位於紐約 Woodstock的家中創造。在幾場音樂會之後在紐約造成轟動, Ussachevsky 與 Luening被邀請到NBC的現場廣播"今日秀"來作訪談展式。。。這個第一次的電視播送的電聲學表演。 Luening對這件事表示"我為帶式錄音機即興表演一些[橫笛]序列。 Ussachevsky 接著把它們經由電子轉變。"

1954見證到了世界正在考慮真正的電子加聲學的合成的進步—聲學樂器增加/伴隨操作過的錄音 並且/或者 電子產生的聲音。在那年3個首要的工作: Varèse的 Déserts(法:沙漠),為室內小型合奏以及錄音帶聲音,並且兩個作品由Luening and Ussachevsky: "為Louisvillerul交響樂團的狂想曲的各式變化"以及"循環與鐘聲的一部史詩",兩個都有為orchestra以及錄音帶製作。因為他已經為Schaeffer的錄音室工作過, Varèse的錄音帶部分包含了比電子以外更多的具體聲音。"一個由風的樂器組成的群體,敲擊樂器與鋼琴交替來伴隨變種的工廠噪音以及船舶警報器以及馬達聲音,由兩具大喇叭播放出來。"

Déserts被允許首次在巴黎的法國廣播電台立體聲播送。在德國首府漢堡,由Bruno Maderna的帶領,錄音帶的控制由Karlheinz Stockhausen操作。 Déserts不只為Varèse被建議,"所有實體的沙漠(沙,海,雪,外太空,空曠的街道的),也是人類心裡的沙漠;不僅剝去自然的一面,被建議為赤裸的,超然離群的,永恆的,也是遙遠的沒有望遠鏡可以達到的內在空間,在那裏,人是孤獨的,一個迷樣的世界並且實質上的孤獨。"

在1958年,哥倫比亞-普林斯頓發展了RCA Mark II聲音合成器,第一個可程式化的合成器。卓越的作曲家例如Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt, Charles Wuorinen, Halim El-Dabh, Bülent Arel 與 Mario Davidovsky 使用了RCA 合成器延伸出各式各樣的組合。一個早期錄音室中最具影響力的作曲家,埃及的 Halim El-Dabh,他在1944年發展了最早的知名電子帶式音樂,於Leiyla and the Poet(Leiyla 與史詩)變得更有名,這是一個於1959年的電子合成系列,堅決要求電子與民俗音樂沉浸與無縫的融合,當時跟被一連串的作曲家以更數學式的方式如Babbitt對比。 El-Dabh的 Leiyla and the Poet,於1961被作為Columbia-Princeton Electronic Music Center專輯的一部分釋出,被一群音樂家引用為強力的影響,範圍有Neil Rolnick, Charles Amirkhanian 與 Alice Shields to rock musicians Frank Zappa 以及 The West Coast Pop Art Experimental Band

隨機音樂[编辑]

一個重要的新發展由電腦的進步產生,為了創作音樂的目的,與操作或創造聲音作對比。 Iannis Xenakis開始稱作musique stochastique(法:隨機音樂),這是個使用數學上的機率系統來製作的方法。不同的機率演算法在一組參數下被用來創造一件作品。 Xenakis在不使用隨機方式創造了早期的錄音帶作品例如Concret PH (1958),並且實驗了空間化與多媒體,創造了polytopes例如Polytope de Montréal。 Xenakis利用電腦來為弦樂4重奏創作如ST/4,以及為管弦樂團創作ST/48(兩個都在1962), Morsima-Amorsima, ST/10, 以及 Atrées, 等作品。他為了轉換圖形圖像為音樂結果發展了UPIC電腦系統並且為了它創作了Mycènes Alpha (1978)。

1950年代中期至晚期[编辑]

在1954年, Stockhausen創作了他的Elektronische Studie II(德:電子學習II)—第一個電子作品被出版為樂譜。在1955年,更多實驗性且電子的錄音室開始出現。著名的是Fonologia錄音室的創建(已經提及),由Toshiro Mayuzumi建立的東京NHK錄音室,以及位於荷蘭Eindhoven的Phillips錄音室,該錄音室於1960移至University of Utrecht成為Institute of Sonology 。 Forbidden Planet的譜曲,由Louis 與 Bebe Barron,完全使用客製化的電子電路以及帶式錄音機作曲,於1956年。

世界的第一台用來播放音樂的電腦是CSIRAC,是由Trevor Pearcey 與 Maston Beard設計製造。數學家Geoff Hill自1950年代的最早期為CSIRAC撰寫成是來播放流行音樂旋律。在1951年它(電腦)公開的播放Colonel Bogey March(桂河大橋),其中沒有已知的錄音檔存在。然而,CSIRAC放送了標準的個人曲目並且不是用來延伸音樂層面對於合成實踐的思考。CSIRAC從來沒有錄音,但是音樂的放送確實被重新建構(文獻12)。最早期的電腦產生錄音的音樂是由 Ferranti Mark 1電腦達到,是Baby Machine的一個商業化的版本,由University of Manchester於1951年秋天開發出來。音樂軟體是由Christopher Strachey撰寫。

電腦所造成的衝擊在1956年持續。 Lejaren Hiller and Leonard Isaacson為弦樂4重奏創作了 Illiac Suite,第一個使用電腦輔助合成演算法來合成的完整創作。"。。。 Hiller假設道電腦可以是被以特定形態的規則來教育並且之後被呼喚來照著作曲 "之後的發展包括Bell Laboratories(貝爾實驗室)的 Max Mathews 的工作,他發展了有影響力的MUSIC I 程式。在1957年,MUSCI,其中一台第一次程式化的電腦用來播放電子音樂,是由Bell Laboratories的 Max Mathews創造。聲音傳播機科技也同樣是此領域的早期主要發展。在1956年, Stockhausen創作了Gesang der Jünglinge, Cologne錄音室的第一份主要貢獻,基礎於 Book of Daniel的一份文件內容。該年一個重要的科技發展是 Raymond Scott發明的Clavivox合成器與由Robert Moog組裝成。 並且在1957年, Kid Baltan (Dick Raaymakers) 與 Tom Dissevelt釋出他們的首次登台專輯, Song Of The Second Moon(第二月亮之歌),在Phillips錄音室錄製。大眾對於全世界創造出來的新聲音維持著高度興趣,可以被追朔到包括Varèse的 Poème électronique(電子史詩),該場使用了四百具揚聲器,在1958年的比利時布魯塞爾世界博覽會的飛利浦花園涼亭播放。同年, Mauricio Kagel,一位阿根廷的作曲家,創作了Transición II(轉變 II)。這份創作在科倫的WDR錄音室實現。兩位音樂家使用一部鋼琴表演,一個使用傳統方式,另一個演奏弦樂,框架與盒子。另外兩位表演者使用錄音帶來結合五種由預先錄好的素材現場展示之後會展式的未來的聲音以及過去在這表演上製作的錄音。

擴張: 1960年代[编辑]

這是個電子音樂多產的年代-不僅只學術界,而對於獨立藝術家們合成器科技變得更容易接近。在此時,一個強力的作曲家與音樂家社群建立並茁壯,致力創造於新聲音與樂器。1960年見證了Luening的 Gargoyles為小提琴與錄音帶的合成,如同列為首位的Stockhausen為電子聲音,鋼琴以及敲擊樂器製作的 Kontakte。這件作品存在兩個版本—一個是為了4通道的錄音帶,另一個是為了由一群人表演的錄音帶而製作。"在Kontakte裡, Stockhausen遺棄基於線性以及戲劇性高潮發展出來的傳統音樂。這個新通道,他措辭道' moment form '(瞬間形式),類似20世紀早期發展出來的'cinematic splice'(電影剪接)技術。

第一出現的個此類合成器是Buchla。在1963年出現,它是由具體音樂的作曲家Morton Subotnick製作出的一個先鋒成就。

特雷門自從1920年代就被使用,但它被獲得高度歡迎是自從1950年代被用在科幻電影的原聲帶音樂(例如 Bernard Herrmann為 The Day the Earth Stood Still經典的譜曲)。

在此時期的英國,BBC廣播電台工作坊(1958建立)浮現了一個全世界最具生產力且廣為人知的電子音樂錄音室,得感謝BBC科幻系列Doctor Who他們大量的貢獻。其中一個最有影響力的英國電子藝術家是該工作坊的員工Delia Derbyshire,她在1963年當時以實踐電子音樂的象徵性Doctor Who主題曲聞名,由Ron Grainer作曲。

以色列作曲家 Josef Tal在耶路撒冷地攢音樂錄音室(~1965年)。在右邊的是Hugh Le Caine特別為帶式錄音而做的聲音合成器。

在1961年Josef Tal在希伯來大學建立了以色列電子音樂中心,並且在1962年Hugh Le Caine抵達耶路撒冷為了將他的創新帶式錄音機安裝進此中心。在1990年代Tal與Dr Shlomo Markel一同引領(後方單位)合作, Technion –以色列科技大學以及VolkswagenStiftung,一個致力為電子音樂發展新穎的音樂樂譜系統的研究企劃(Talmark)。 Milton Babbitt使用了合成器創作了他的第一個電子作品—他的 "為合成器組合"(1961)—這作品他使用了位於哥倫比亞—普林斯頓電子音樂中心的RCA合成器。

為了Babbitt,此RCA合成器基於3個理由而實現了夢想。第一,精確以及精準控制控制各種音樂元素的能力。第二,需要實踐他精心製作的系列結構的時間被帶來以實用的方式達成。第三,問題不再是"人類表演者的極限是什麼?"而是"人類聽力的極限是什麼?"

這件合作案也跨越了海洋跟大陸而發生。在1961年, Ussachevsky 邀請 Varèse到哥倫比亞-普林斯頓錄音室(CPEMC)。在抵達後,Varèse著手一個Déserts的修訂版,由Mario Davidovsky 以及 Bülent Arel協助。 這劇烈的活動發生在CPEMC以及在別處受到啟發而建立了舊金山錄音帶音樂中心,由Morton Subotnick於1963建立,伴隨著其他成員如Pauline Oliveros, Ramon Sender, Anthony Martin, 以及 Terry Riley。 Riley加錄的錄音A Rainbow in Curved Air (彎曲空氣中的一道彩虹)(1967)中採用了各式各樣的電子鍵盤樂器,全部由即興的作曲家演奏。

之後,這間中心移到了Mills College,由 Pauline Oliveros指導,那裏就是現今知名的"當代音樂中心"。 在舊金山同時地,作曲家Stan Shaff以及設備設計師Doug McEachern,在舊金山州立學院呈現了第一場"Audium"音樂會(1962),隨後在舊金山當代藝術博物館創做了另一件作品(1963),作為即時想像,在太空中控制聲音的變動。12具喇叭環繞著聽眾,4具喇叭被裝置在上方一個旋轉的,看似可移動的結構內。

在接著一年的一次SFMOMA表演中(1964),"舊金山歷史"的音樂評論家Alfred Frankenstein建議道"太空聲音連續體的可能性難得被廣泛地探索出來"。在1967年,第一次的Audium,"太空聲音連續體"展開,每周舉辦表演直到1970年。在1975年,由國家藝術基金出資使之可行化,一個新的Audium展開,為太空聲音合成與表演而設計地面至天花板。那裏有許多作曲家藉設置在表演空間內的多具喇叭以及切換或是淘洗於各處音源間來操作太空聲音。在這個方法中,組成的各喇叭的空間操作是獨立的並且通常開拓圍場內的聲學特性。例如包含著Varèse的史詩"電子"(於1958年在布魯塞爾式界博覽會中,Phillips花園涼亭中表演的錄音帶音樂)以及Stanley Schaff的Audium設置,目前活耀於舊金山。經由每周固定的節目(在40年內超過4500場), Shaff "雕刻"聲音,透過176具喇叭現場表演現今數位化的空間作品。

一個知名的使用Moog的全尺調諧合成器寸例子是Switched-On Bach(知到最新流行的巴哈)專輯,由 Wendy Carlos製作,觸發了合成器音樂的狂熱。

Pietro Grossi式義大利的電腦合成與錄音帶音樂先鋒,他首先於60年代早期實驗了電子技術。 Gross曾經是個大提琴演奏家以及作曲家,於1917年在威尼斯出生。他於1963年成立了S 2F M(Studio de Fonologia Musicale di Firenze),為了實驗電子聲音以及合成。

電腦音樂[编辑]

CSIRAC,第一台播放音樂的電腦,在1951年8月公開播送(文獻12)。第一個電腦音樂的大規模公開展示是一個在NBC廣播網的節目Monitor在1962年2月10號預先錄好的國家廣播。在1961年, LaFarr Stuart使用Iowa State University的 CYCLONE電腦撰寫程式(Illiac的一項衍伸物)來經由一個放大的喇叭連結到系統撥放簡單,基調可辨識的音樂,原先是為了管理與診斷目地。在一次與Stuart先生的訪談中伴隨著他的電腦音樂。

在1950年代晚期,1960年代以及1970年代也可見到大型電腦主機合成器的發展,從1957年開始, 貝爾實驗室的Max Mathews發展了MUSIC程式,最終到MUSIC V,是一個直接數位合成器語言。

現場電子[编辑]

在美國,現場電子在1960年代由Milton Cohen的 Space Theater的成員們在Ann Arbor, Michigan開拓出來,包括Gordon Mumma 以及 Robert Ashley,由眾多獨立製作如David Tudor於大約1965年,以及音速藝術聯盟,由Gordon Mumma, Robert Ashley, Alvin Lucier, 以及 David Behrman成立於1966年。在1960年, John Cage創作了Cartridge Music(針匣音樂),最早期的現場電子中的一個創作。在歐洲1964年, Karlheinz Stockhausen為tam-tam手持麥克風,濾波器以及電位計創作了Mikrophonie I(德:麥克風 I) ,以及為了管弦樂製作Mixtur,使用四具sine波產生器以及4鐘鳴調諧器。在1965年,他為唱詩班創作了 Mikrophonie II (德:麥克風 II),使用漢孟牌電子琴以及鐘鳴調諧器。

爵士作曲家和音樂家Paul Bley 以及 Annette Peacock在1960年代晚期進行了一些第一次現場音樂會表演,使用Moog合成器。 Peacock規律的利用客製化的Moog合成器在舞台上以及在錄音室錄音時來處理她的聲音。 在1966~67年, Reed Ghazala發現並且開始教學"彎折電路"—創造電路短路的應用,一個處理短路的機會,創造了實驗性電子樂器,主要探索了聲音元素的音色與較少一點關於音高或是旋律,並且由John Cage的aleatoric music(即興音樂)概念所影響。

流行化: 1970年代到1980年代早期[编辑]

合成器[编辑]

於1970年由Moog Music釋出Mini-Moog ,是第一個可以被廣泛取得,可攜式以及相對地負擔的起的合成器。它成為在流行與電子藝術音樂兩者中都最廣泛使用的合成器。 Patrick Gleeson,與Herbie Hancock於1970年代開始一起播送現場音樂,成為在巡迴內容中使用合成器的先鋒,在那裏他們受限於壓力以及早期的機器並沒為他們被設計出來。

在1974年,在科倫的WDR錄音室取得EMS Synthi 100 合成器,該樂器被許多作曲家用來製作著名的電子作品—包括 Rolf Gehlhaar的 Fünf deutsche Tänze (1975), Karlheinz Stockhausen的 Sirius (1975–76)以及 John McGuire的 Pulse Music III (1978)。

1980年代早期見證到了貝斯合成器的興起,最主要的影響是Roland TB-303,是一具貝斯合成器以及定序器,於1981年晚期釋出,這之後成為電子舞曲的一項設備,特別是acid house(酸性浩室)。首先使用的其中一位是Charanjit Singh在1982年,雖然它沒有被普及直到1987年Phuture推出"Acid Tracks"(酸性音軌)。

IRCAM,STEIM,以及Elektronmusikstudion[编辑]

IRCAM 在巴黎成為一個主要的電腦音樂研究與實踐化的中心,並且發展了Sogitec 4X電腦系統,然後特色是革命性的即時數位訊號處理。 Pierre Boulez的 Répons (1981)為24音樂家以及6獨奏者使用4X來轉化以及將獨奏者們安排上揚聲器系統。

STEIM 是一個在電子表演藝術方面為了研究與發展新樂器的中心,位於荷蘭的阿姆斯特丹。STEIM自從1969年就存在。 它是由Misha Mengelberg, Louis Andriessen, Peter Schat, Dick Raaymakers, Jan van Vlijmen, Reinbert de Leeuw, 以及 Konrad Boehmer所建立。這群荷蘭作曲家已經為了改革阿姆斯特丹的封閉的音樂結構而奮鬥;他們於荷蘭堅持將Bruno Maderna任命為Concertgebouw管弦樂團音樂指導者並且為實驗以及即興創作實施了第一次的公眾募資。

Elektronmusikstudion (EMS),從前被認知為"瑞典電聲學音樂",是瑞典的電子音樂與聲音藝術的國家中心。這個研究組織於1964年於斯德哥爾摩創立。

流行電子音樂的興起[编辑]

Keith Emerson在2008年於St。 Petersburg(聖彼得堡)表演

在1960年代晚期,流行以及搖滾音樂家,包括The Beach Boys 與 The Beatles開始使用電子樂器,像特雷門與Mellotron,用來增補以及定義他們的聲音。在這10年的尾聲,Moog合成器在的新興的漸進式搖滾中取得了領導地位,包括樂團如Pink Floyd, Yes, Emerson, Lake & Palmer, 以及 Genesis以他們的聲音製做了他們的部分。用樂器演奏的訓誡搖滾是歐洲大陸特別顯著的,允許樂團如Kraftwerk, Tangerine Dream, Can,以及 Faust用來規避語言障礙。

他們的重度合成" Kraut rock"(輕蔑搖滾),伴隨著Brian Eno的創作(曾經偕同Roxy Music的鍵盤手),是一個對隨後的"synth rock"(合成搖滾)成為主要的影響。

電子搖滾也被一些日本音樂家製作出來,包括 Isao Tomita的 Electric Samurai: Switched on Rock (1972)(電子武士:知道最新的搖滾),這裡使用了Moog合成器演奏當代的流行與搖滾歌曲,以及Osamu Kitajima的漸進式搖滾專輯Benzaiten (1974)。1970年代中期見證了電子音樂家的興起,例如Jean Michel Jarre, Vangelis, 以及 Tomita,他與Brian Eno對新世紀音樂的發展有巨大影響。

在龐克搖滾到來以後,一種基本的合成搖滾興起,越來越多地使用新式數位科技來取代其他樂器。成為先鋒的樂團有Ultravox 帶著 1977年的單曲"Hiroshima Mon Amour"(法:我的愛在廣島),日本的Yellow Magic Orchestra (黃色魔法管弦樂團), Gary Numan, Depeche Mode, The Human League, Orchestral Manoeuvres in the Dark(黑暗中管弦樂的調動) 以及 來自UK的Tubeway Army , 以及來自美國的 Devo。黃色魔術管弦樂團特別的幫助先驅者synthpop(合成流行樂),伴隨著他們的同名專輯(1978)以及Solid State Survivor (1979)(固態生還者)。MIDI的定義以及數位音樂的發展讓唇電子聲音的發展更加容易。這些發展導致合成流行樂的茁壯,這之後被New Romantic(新浪漫主義)運動採用,在80年代早期允許合成器來主宰流行以及搖滾音樂。關鍵的角色包括有Duran Duran, Spandau Ballet,A Flock of Seagulls, Culture Club, Talk Talk, Japan 以及 Eurythmics。 合成流行樂有實使用合成器來取代其他樂器,直到這個形式於1980年代中期開始於流行界失寵。

音序器與鼓機[编辑]

音序器於約20世紀中期開始被使用,並且由 Tomita在1970年代中期的專輯成為之後的範例。在1978年,黃色魔法管弦樂使用了以電腦為基礎的科技連結一具合成器來製作流行音樂,造成了他們早期對以微處理機基礎的 Roland MC-8微處理機音序器。

鼓機,也在約1950年代晚期開始被使用,一個稍後出現的例子是Osamu Kitajima 的漸進式搖滾專輯Benzaiten (1974),使用了一個旋律機器伴隨著電子鼓以及一具合成器。在1977年, Ultravox的 "我的愛在廣島"是第一次使用類似節拍器的敲擊樂器Roland TR-77鼓機的其中一張單曲。在1980年, Roland 公司推出了 TR-808 鼓機,是最早並且最受歡迎的可編程鼓機。於1980年被黃色魔法管弦樂團首次用在出版歌曲的製作過程,TR-808 在後來出版的 Marvin Gaye的 "Sexual Healing" 以及 Afrika Bambaataa 於1982年的"Planet Rock" 都獲得廣泛的使用。TR-808標誌性的聲音是之後1980年代晚期的Detroit techno scene(底特律鐵克諾風潮)中的一個基礎元素,並且是Derrick May 以及 Juan Atkins 的首選鼓機。

MIDI的誕生[编辑]

在1980年代,一群音樂家與音樂商人遇見為了標準化一個介面,該樂器可以利用來溝通其它樂器以及電腦間的控制指令。這個標準稱為Musical Instrument Digital Interface (MIDI)(樂器數位介面)並且最初起因於領導廠商Sequential Circuits, Oberheim, Roland的合作—並且在之後,其他參與廠商包括Yamaha, Korg, 以及 Kawai。一篇由Dave Smith名為Sequential Circuits and proposed to the Audio Engineering Society(連續電路與推薦於音樂工程社會)的文獻於1981年著作。之後,在1983年的8月,MIDI 1.0 標準完成。

MIDI科技允許錄音室單一敲擊鍵,控制所有動作,踏板動作或從微電腦下指令來啟動所有裝置遠距離地以及同步,其中每樣裝置由作曲家預先決定好依據各種狀況來反應。

MIDI樂器以及軟體創造了對於精密樂器的強大控制並且為許多錄音室以及個人輕易負擔的起。聲學聲音經由採樣動作以及 採樣過的唯讀記憶體為基礎的樂器 被重新整合入錄音室。

Miller Puckette為4X電腦發展了圖形化信號處理軟體稱作Max(在Max Mathews之後)並且之後引入麥金塔(由Dave Zicarelli 為 Opcode來延伸它)為即時MIDI控制,帶來了對大部分作曲家不太多的電腦程式語言背景帶來演算法的合成可能性。

數位合成[编辑]

在1975年,日本公司Yamaha獲得了John Chowning在頻率諧調合成器(FM合成)的演算法的許可,J。C。他從1971開始年在史丹佛大學實驗。Yamaha的工程師開始採用Chowning的演算法用於數位合成器,加入了例如"key scaling"(音階)方法的改善,這方法用來避免導致失真,失真通常發生在類比系統的頻率諧調上。然而,第一個商業化釋出的的數位合成器可能是1979年澳洲的 Fairlight company的Fairlight CMI (Computer Musical Instrument)(電腦音樂樂器),第一個實際多音的數位合成/取樣系統。

在1980年,Yamaha終於釋出地一台FM數位合成器, Yamaha GS-1,但是價格很昂貴。在1983年,Yamaha介紹了第一個獨立的數位合成器, DX-7,它也使用FM合成器並且可能是成為到目前為止最賣座的合成器。DX-7知名的是它清楚可辨識的音調,這部分是起由於57kHz的anoverachieving 取樣率。 Barry Vercoe對他對於早期電腦聲音的經驗描述道:

在IRCAM(Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique)(研究與整理聲學/音樂機構)1982年的巴黎,長笛演奏者Larry Beauregard已經將他的長笛與DiGiugno的4X音樂處理器連結,予以即時接續音高。在這期間的一間Guggenheim(古根漢),我延伸這個概念到即時接續譜曲,藉由自動同步過的伴奏,並且在兩年後, Larry與我給予了很多的電腦成為室內樂音樂家播放Handel長笛奏鳴曲的展示, Boulez為長笛與鋼琴製作的 Sonatine (法:小奏鳴曲)以及我自己為長笛以及電腦於1984年製作的的Synapse II(突觸II) —第一件作品特別為這個裝置組合來創作。一個主要的挑戰是找尋正確建構來支持高度敏感響應與伴奏的軟體。所有這些是前-MIDI,但這些結果是令人欽佩的,儘管重劑量的拍子彈性速度可能連續地讓我的"Synthetic Performer"(合成表演者)吃驚。在1985年,我們藉由併入learning from rehearsals解決了拍子彈性速度的問題(每次你以此方式彈奏,機器都會變得更好)。我們也正在追蹤小提琴,自從我們智慧且年輕的長笛家得到致命的癌症。甚至,這個版本使用一個新的稱作MIDI的標準,並且在此我可以被以前的學生Miller Puckette協助,他對這份任務的初步概念之後擴張為一個稱為MAX的程式。

Chiptunes(晶片旋律)[编辑]

低價家用電腦的新能力在80年代以及90年代導致了晶片旋律的興起。晶片旋律,chipmusic(晶片音樂)或chip music是以聲音電腦格式寫成的音樂,這裡許多聲音材料被即時合成與定序,藉由一台電腦或電視遊樂的聲音晶片,有時包括基礎樣本的合成以及低位元樣本的播放。晶片音樂的lo-fi(低傳真)聲音的特性是早期聲音卡技術上限制造成的最初結果;然而,聲音自此以後成為它自己尋找的權力。

1970年代末到1980年代末[编辑]

YMO、Depeche Mode、Devo 等樂團成功打造出非常流行的電子音樂,當時尚未有如此強調科技感的音樂類型,使得現在許多樂手以及樂迷還是非常懷念。

1980年代晚期至1990年代[编辑]

舞曲的興起[编辑]

在1980年代晚期,舞曲錄音造就僅使用電子樂器的方式變為越來越受歡迎。這個趨勢已經在全世界的現代夜間俱樂部持續到現今,定期地播放電子舞曲。當下,電子舞曲非常受歡迎,那個種類專用的廣播電台與電視頻道存在著。

進展[编辑]

在1990年代,互動式的電腦輔助表演開始變為可能,其中一個例子如以下描述:

即時的自動化的調和旋律:一個互動式電腦系統,包含進長笛演奏家/作曲家Pedro Eustache 被發展出來,為了即時的旋律分析以及和聲伴奏。根基於嶄新的合聲系統,這個軟體分析了有旋律音調的功能並傳來註解,而且即刻表演了一個這個旋律的管弦樂調合。這個軟體原始設計來使用於Eustache的表演,藉由Yamaha WX7風控制器,以及使用他的組合Tetelestai,最早在1999年的3月於Irvine, California。

其他最近的發展包括Tod Machover (MIT 與 IRCAM)為"hypercello"(cello即大提琴)的合成曲Begin Again Again (開始一遍又一遍),一個具有多個感測器的互動系統,量測大提琴家的實體動作。 Max Mathews為了即時拍子,動態以及音色控制的發展了"導體"程式,預先輸入電子樂譜。 Morton Subotnick釋出了一個多媒體的CD-ROM All My Hummingbirds Have Alibis(我的所有蜂鳥們有藉口)。

近期發展:1980年代到2000年代初[编辑]

電音的分類是歸在搖滾底下的,比較可信的起源是從80年代末的一家黑人Disco舞廳流行開來,大致上音樂作法採取鍵盤與合成器採樣的聲音編排而成,搭配電子鼓,重複小節循環而成,再細分就要以節拍數區分,非常多,但是電音中Ambient這類型是從古典樂→現代室內樂→Ambient演變而來的,但不一定要用到電子樂器,也不完全以節奏帶動曲調的走向。

至於搖滾如果是1996年以前是不重視電音這部份的發展,有的話指的是電子音樂,New Wave時期,如New Order,Depeche Mode諸如此類,到2000年後搖滾流行起加入電音模式。

2000年代[编辑]

Qlimax,一個大型的電子音樂盛事,每年在荷蘭舉辦,慶祝電子音樂的硬式子類型

在最近幾年,當電腦科技已經變得容易接近並且音樂軟體已經進步,與音樂製作互動的科技現在可行來使用不帶有任何傳統音樂關聯的實踐表演:例如,膝上型電腦表演(laptronica) 以及live coding(現場解碼)。通常,Live PA這個名詞專指任何電子音樂的現場表演,無論是否伴隨膝上型電腦,合成器或其他裝置。

在最近的10年,大量的軟體基礎的虛擬錄音室環境已經興起,有產品如Propellerhead的 Reason以及Ableton Live找到對流行的吸引力。這類軟體對於典型硬體基礎的錄音室產品提供可實行的而且划算的替代方案,並且感謝微處理器科技的進步,現在可以使用稍微比單一膝上型電腦多一點點的設備創造高品質的音樂。這項進部已經使音樂創作大眾化,導致在家製作的電子音樂的數量巨大的增加並透過可用的網際網路大眾化公開。

藝術家們現在也可以實踐他們作品的個性化,藉由創造個人化的軟體合成器,效果單元以及各式各樣合成環境。曾經專門在硬體領域存在的各種裝置可以輕易地有虛擬版本。一些為達到這些目標的更受歡迎的軟體工具是商業釋出的,例如Max/Msp 以及 Reaktor與開放來源的封包例如Csound, Pure Data,SuperCollider以及 ChucK。

電路彎折[编辑]

探索"彎折",利用一支鐘表商用的螺絲起子以及鱷魚夾

電路彎折是在電子裝置內部創造客製化電路的方法,例如低電壓電池驅動的吉他音效,小孩子的玩具toysand,與用來創造新音樂或是視覺的儀器,小型的數位合成器以及聲音產生器。強調自然性以及隨機性,這些電路彎折的技術已經被通常地關聯到噪音音樂,儘管更多傳統當代音樂家以及音樂團體已經知道去實驗"彎折"樂器。電路彎折經常牽涉到拆解機器並且加上例如開關或電位計等組件,用來修改電路。伴隨著對類比合成器電路彎折興趣的復甦,此技術成為一個為許多實驗音樂家來創造他們自己個別的類比聲音產生器的廉價的解決方案。

現今許多圖解可以被找到來建構噪音產生器例如 Atari Punk Console 或是 the Dub Siren,只要簡單修改孩子的玩具例如知名的Speak & Spells,常用來被電路彎折者修改。 Reed Ghazala通常被認為是"電路彎折之父",因為他最早由Speak & Spell發現,並且自從開始他的工作他已經具備學徒資格。

著名製作人與DJ[编辑]

相關條目[编辑]

参考文獻[编辑]

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  18. ^ Eimert 1972,第349页.
  19. ^ Eimert 1958,第2页; Ungeheuer 1992,第117页.
  20. ^ ( Lebrecht 1996,第75页). "... at Northwest German Radio in Cologne (1953), where the term 'electronic music' was coined to distinguish their pure experiments from musique concrete..." (Lebrecht 1996, 107).
  21. ^ Stockhausen 1978,第73–76, 78–79页.
  22. ^ "In 1967, just following the world premiere of Hymnen, Stockhausen said about the electronic music experience: '... Many listeners have projected that strange new music which they experienced—especially in the realm of electronic music—into extraterrestrial space. Even though they are not familiar with it through human experience, they identify it with the fantastic dream world. Several have commented that my electronic music sounds "like on a different star," or "like in outer space." Many have said that when hearing this music, they have sensations as if flying at an infinitely high speed, and then again, as if immobile in an immense space. Thus, extreme words are employed to describe such experience, which are not "objectively" communicable in the sense of an object description, but rather which exist in the subjective fantasy and which are projected into the extraterrestrial space'" ( Holmes 2002,第145页).
  23. ^ 23.0 23.1 Holmes 2008,第106页.
  24. ^ Holmes 2008,第106 & 115页.
  25. ^ Fujii 2004,第66页.

衍生閱讀[编辑]