电子音乐

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电子音乐,亦简称电音,是使用电子乐器以及电子音乐技术来制作的音乐;而创作或表演这类音乐的音乐家则称为电子音乐家。一般而言,使用电子机械技术与使用电子技术制作的声音是可以区别的。[1]使用电子机械制造声音的设备有电传簧风琴英语Telharmonium汉门式电风琴英语Hammond organ电吉他;而纯粹的电子声音制造设备则有特雷门声音合成器电脑

电子音乐一度几乎完全与西方艺术音乐连结,但自从1960年代晚期以后,可负担的起的音乐科技意味着使用电子方式制作音乐的方式变的越来越在流行的领域普遍。今日的电子音乐包含各式各样以及范围从实验艺术音乐到流行形式如电子舞曲。

广义的电子音乐,在一些电影配乐、广告配乐、流行曲摇滚乐里都会出现。但狭义而言,电子音乐则常指以电子制造或处理的声音为主的种类,包括一些实验性的电子原音音乐、亦包括各种电子舞蹈音乐(electronic dance music),如浩室铁克诺音乐出神(Trance)与回响贝斯等种类。电子舞蹈音乐与夜店迪斯科锐舞文化相关。夜店的舞蹈派对,常常会透过DJ播放电子音乐,或称“打碟”。

起源:19世纪晚期到20世纪早期[编辑]

电传乐器,泰岱斯·卡希尔英语Thaddeus Cahill,1897
1928
1998

古希腊哲学家数学家毕达哥拉斯开始研究声音和物理的关系,这些理论对文艺复兴以后的音乐以至电子音乐都有重大影响。在十七世纪,英国哲学家弗兰西斯·培根在著作《新亚特兰蒂斯》里描写一个幻想的国度里,有独特的房间可以将任何声音制造或复制出来。在此以后,不少科幻小说都曾描述类似的音乐设备。

1857年法国科学家史考特发明了录音技术,可以将声音纪录,但尚未能将之播放。1878年爱迪生发明了留声机,以滚筒录音,并以喇叭将声音放大播放。1887年埃米尔·贝林纳发明以唱片录音并放大的留声机。大约1900年出现以磁带纪录声音的技术,但尚未成熟。1901年李·德佛瑞斯特发明真空管,自此以后,录音技术可以广泛地用于电子音乐、收音机广播等等。

音乐盒是影响电子音乐的前身之一。1815年出现了第一个以弹簧控制的音乐盒。1876年美国的艾奥利安公司(Aeolian Company)发明了自动弹放钢琴,和音乐盒一样,以钢琴卷帘纸(Piano Roll)纪录音符的时间。在录音技术尚未成熟之前,不少当时的钢琴家都曾经透过钢琴卷帘纸纪录了演奏。而这种钢琴卷帘纸的纪录方法,后来被应用到乐器数位介面(MIDI), 至今很多数码音乐软件(DAW)都有采用。

纪录声音的能力常被连结到电子音乐的产生,但不是绝对必要。最早的声音记录装置是1857年由法国人爱德华-里昂·史考特·迪马丁维尔(Édouard-Léon Scott de Martinville)注册专利的声波记录仪(phonautograph)。它外表上可以记录声音,但是无法回放。

1876年,工程师耶里夏·葛雷(Elisha Gray)发表了电子机械震荡器的专利。这个“音乐电报”由他于电话科技的实验以及早期尚存的电子声音制作的专利演变出。这个震荡器由亚历山大·格拉汉姆·贝尔为早期的电话延伸出来。1878年,汤玛斯·爱迪生由此震荡器进一步发展出留声机,跟史考特的装置类似,都使用了活塞。虽然活塞继续被使用一段时间,1887年爱米尔·贝利纳发展出了碟式的留声机。李·德富雷斯特于1906年的发明——3极真空管在之后的电子音乐有深刻的效果。它是第一个热电子阀或者称真空管,导致电路可以创造且放大音乐讯号、放送广播波形、计算数值,并且进行其他各种功能。

在电子音乐以前,作曲家们对于使用科技创作新兴音乐有着逐渐增加的期望。一些仪器使用电子机械设计来创造出并且铺陈出之后电子乐器的兴起。一个叫做电传簧风琴英语Telharmonium的电子机械仪器于1898年至1912年由泰岱斯·卡希尔英语Thaddeus Cahill发展出。然而,因为它巨大体积所造成的不便阻碍了它被大量采用机会。

最常被提及的一项早期电子乐器为特雷门,由李昂·特雷门英语Léon Theremin教授于1919年至1920年发明,是以手控制无线电波来制造声音。其他早期的电子仪器包括1915年由李·德富雷斯特发明的三极真空管钢琴;1926年由尼可莱·欧布科夫英语Nikolai Obukhov发明的十字发声器英语Croix Sonore;以及1926年法国人莫里斯·马特诺英语Maurice Martenot发明的马特诺音波琴,后者被法国作曲家奥立佛·梅湘使用于知名的爱之交响曲英语Turangalîla-Symphonie,以及他之后的作品当中。马特诺音波琴还被安德烈·若利韦等其他主要的法国作曲家们所采用。

新音乐美感的描述[编辑]

1907年,也就是三极真空管发明后的一年,意大利钢琴家及作曲家费卢西奥·布索尼出版了《音乐新美感的描述》(Sketch of a New Esthetic of Music),里头讨论到电子及其他新声源在未来音乐的应用。他写到未来在音乐的调微音调尺度,可能被卡希尔的电传装置加以实现:“只有长期而仔细的系列实验,以及持续的对耳朵加以训练,才能在将来的世代以其艺术里,令这种不熟悉的素材变成可达成且可塑造。”[2]

布索尼在《音乐新美感的描述》中也陈述:

音乐作为一种艺术,即我们常称的西方音乐,已经几乎有400年的古老历史;目前仍处于一种发展状态,可能是超越现今概念的最初发展,然而我们谈论“古典”以及“神圣的传统”,却已经有很长一段时间了!

我们有着公式化的规矩,指定的原则,严格发号施令;……我们用这些规则培育一无所知的孩子!

如此年青的孩子,已足以令人察觉其拥有耀眼的特质,这特质令其明显超越所有的姐姐。制订规则者将看不见这非凡的特质,免得他们的规则被丢入风中。这孩子漂浮在空中!并非以脚接触地面,不知道万有引力定律,近乎无形。其材质透明,是能发出声响的空气,几乎就是大自然本身。它是——自由的!

然而自由是人类从未完全体会的东西,从未完整实现。他们也未能识别或承认。

他们否认这孩子的任务;他们令其背负沉重压力。这个有活力的家伙必须体面的走路,就像其他人一样。可能几乎不被允许跳跃——但他将娱快地跟随彩虹的的轨迹,并且利用云朵来切开太阳的光线。

经由此一著作,以及个人的直接接触,布索尼深深地影响了许多音乐家及作曲家。可能是他最著名的弟子埃德加·瓦雷兹就说道:

我们在一起讨论未来世界会有什么样的音乐方向,甚至,是否应该继续受到调音系统的约束。他(布索尼)哀叹他自己的键盘乐器让我们的耳朵调适成只能接受自然界无限多声音阶层中的极小部分。他对我们刚知道的电子乐器非常有兴趣,记得特别清础的是当他读到电传簧风琴那一刻。经由他的各种著作,我们可以发现对于未来音乐的预测已经一次又一次成真。事实上,几乎没有一项发展他没预测到,例如这个极不寻常的预言:“我几乎认为在这新的伟大音乐里,机器也将会变得必要,并且会在里头分配到一定的角色。也许,工业也是,将会在艺术境界的提升上占有一定的地位。”

未来派艺术家[编辑]

义大利未来派艺术家以另一角度来达成音乐美学的改变。未来派艺术家哲学中的一个主要信念是珍视“噪音”,并且将之前没有被考虑,甚至离音乐性有点遥远的声音艺术和表现价值置放进来。巴利拉·普拉特拉英语Francesco Balilla Pratella在其著作《未来音乐的技术宣言》(1911年)中陈述到他们的信条是:“展示民众、大工厂、铁路、大西洋客轮、战舰、汽车及飞机的艺术灵魂。将机器以及电子的胜利王国领域加入音乐史诗的伟大中央主题。”

1913年3月11日,未来派艺术家路易吉·卢梭罗英语Luigi Russolo将他的宣言《噪音的艺术》出版。1914年4月21日,他在米兰举办第一次的“噪音的艺术”音乐会。其中使用到他的吟诵躁音(Intonarumori), 据卢梭罗自己表示为“声学的噪音仪器,其声音(怒吼、呼啸、搅乱、汩汩水声等……)由人手启动,并且经由喇叭跟话筒来投射。”6月,他在巴黎举办了几场类似的音乐会。

1920年代到1930年代[编辑]

这十年带来了大量的早期电子乐器,以及第一次使用电子乐器作曲。第一部电子乐器称为以太发声器(Etherophone),是李昂·特雷门英语Léon Theremin(出生时叫列夫·特雷门)于1919至1920年间在列宁格勒创造出来,后来重命名为特雷门。它带领出第一次针对电子乐器的作曲,与噪音制造器及其再衍生设备形成对比。1929年,约瑟夫·席林格英语Joseph Schillinger创作了《特雷门与管弦乐团第一组曲》(First Airphonic Suite for Theremin and Orchestra),于克里夫兰管弦乐团进行首演,并由李昂·特雷门担任独奏。

除了特雷门之外,马特诺音波琴于1928年由莫里斯·马特诺英语Maurice Martenot发明,并在巴黎首次露面。隔年,乔治·安泰尔英语George Antheil第一次为机械装置、电子噪音制造器、马达及扩音器作曲,应用于他未完成的歌剧《花先生》(Mr. Bloom)。

录音设备的发明使得电子音乐有了跳跃式的演进。1927年,美国发明家J·A·欧尼尔(J. A. O'Neill)利用在橡胶表面涂布一层磁性物质,开发了一种录音装置,然而在商业上却失败了。两年后,劳伦斯·汉门英语Laurens Hammond为制造电子乐器而建立了他自己的公司。他继续制造汉门式电风琴英语Hammond organ,这是基于特雷门的原理,并伴随包括早期回响装置等其他发明[3]。汉门与约翰·汉那特(John Hanert)、C·N·威廉斯(C. N. Williams)继续合作开发其它电子乐器,例如诺瓦合音琴英语Novachord是由汉门的公司于1939至1942年间制造。[4]

用于电影艺术上的光学声音纪录方法让声音的影像可视化变为可能,除此以外也领悟到另一面—从一人造的声音波形来合成声音。在同一时期,听觉艺术实验开始进行,早期的参与者有崔斯坦·查拉英语Tristan Tzara柯特·希维特斯英语Kurt Schwitters菲利波·托马索·马里内蒂等人。

发展:1940年代至1950年代[编辑]

电子声学录音带音乐[编辑]

低传真磁性钢丝录音英语Wire recording大约从1900年就开始使用[5]。到了1930年代初期,电影工业开始转换成基于光电池而开发的新型光学式声音伴随影片录像系统[6]。大约在同一时期,德国电子公司AEG发展出第一套实用化录音带系统“磁音机英语Magnetophon”K-1,并于1935年8月在柏林国际广播展发表[7]。磁带比唱片在录音技术上有更大的弹性,可以重新再录,亦可以剪接。自此以后,磁带被广泛应用于收音机广播及有声电影

第二次世界大战期间,瓦尔特·韦伯(Walter Weber)再发现并且应用了交流偏磁英语Tape bias技术,该技术借由加入一个听不见的高频音调,戏剧性地改善了磁性录音的保真度。它将1941年份K4磁音机的频率曲线延伸至10kHz,并且提升动态范围至60dB[8],超越当时所有已知的录音系统[9]

早在1942年,AEG就已经进行立体声录音的测试[10]。然而这些装置和技术一直对德国以外地区保密,直到二次大战结束,当时被捕获的磁音式录音机及数卷法本公司生产的氧化铁录音带被杰克·穆林英语Jack Mullin等人带回美国[11]。后来Ampex公司就在这些录音机及带子的基础上,发展出美国制造的第一部商业化专业带式录音机 Model 200[12],并获得艺人平·克劳斯贝的支持,而他也成为第一批将广播节目及专业录音室录音复制在录音带上的艺人之一[13]

磁性录音带为音乐家作曲家制作人工程师在声音表现的能力上开拓了一个广大的空间。录音带相对便宜而且非常可靠,它重制的保真性也比当时任何的声音保存媒介更好。更重要的是,它提供如同电影胶卷般的操作可塑性,而不像唱片一样死板。带子可以在录音或是播放期间减速、加速或甚至倒带,因而常有着惊人的效果。它几乎可以如同电影胶卷一般在实体上编辑,允许录音里不需要的段落被无缝的移除或置换;同样地,其他来源的录音带段落可以被编辑进去。录音带也可以结合成无止尽的回圈效果,也就是重复播放先录好的素材。音效放大器以及混音设备可进一步扩展了录音带的表现能力,允许多重预录各种声音(现场声音、演说或音乐),再加以混合并同时录制到其他带子,仅会有相当些微的保真度损失。其他预料之外的收获是录音机可以相对简单地修改成回音机英语Echo machine,用来制作复杂而可控制的高品质回声混响效果(这些大部分不可能以机械方式达成)。

录音带的扩散最终导致了电子声学录音带音乐英语Electroacoustic music的发展。第一个已知的例子是1944年由哈利姆·埃尔-达巴英语Halim El-Dabh作曲的,当时他的身份是埃及开罗的一个学生[14]。他利用笨重的钢丝录音机英语Wire recording录制具有古老传统的萨尔典礼,并在中东广播电台录音室使用混声、回声、电压控制以及再录制处理这素材。该成果命名为《萨尔的表达》(The Expression of Zaar),并于1944年在开罗的一个艺廊演出。虽然他以录音带为基础所作成的初步实验并未传播到埃及以外地区,埃尔-达巴仍然以其后来在1950年代晚期于哥伦比亚-普林斯顿电子音乐中心英语Computer Music Center所创作的电子音乐作品而广为人知。[15]

法国具体音乐[编辑]

在此前不久,巴黎的作曲家也开始利用录音带来发展一种称为具体音乐的新作曲技术。这项技术牵涉到将事先录好的大自然与工业声音的片段编辑在一起。[16]巴黎的第一个具体音乐片段是由皮耶·薛菲英语Pierre Schaeffer组合而成,他后来则与皮耶·亨利英语Pierre Henry合作。

1948年10月5日,法国广播公司英语Radiodiffusion-Télévision Française(RDF)播送了作曲家皮耶·薛菲的作品《火车习作》(Etude aux chemins de fer)。 这是《噪音的五项研究》(Cinq études de bruits)的第一个乐章,标志了录音室实际化与具体音乐(或听觉艺术)的开始。薛菲采用一部切割圆盘用的车床、四部录音转播机、一部四频道混音机、滤波器、一间回音室以及一套可携式录音设备。在此后不久,亨利开始与薛菲合作,这个合作关系可能对电子音乐的方向有深刻而持久的影响。另一位薛菲的伙伴埃德加·瓦雷兹开始创作《沙漠英语Déserts》,一首为室内乐团与录音带创作的作品。录音带的部分在皮耶·薛菲的录音室制作,并且之后在哥伦比亚大学作修订。

1950年,薛菲在巴黎高等音乐师范学院英语Ecole Normale de Musique de Paris举行了具体音乐的第一次公开音乐会(非广播)。“薛菲使用一套公共播放系统英语Public address system、好几部录音转播机以及混音器。这个表演并不够好,因为使用录音转播机创造现场综合表演的手法从来没有被做过。”[17]同年稍后,皮耶·亨利与薛菲共同创作了具体音乐的第一个主要作品《孤独人交响乐》(Symphonie pour un homme seul)。1951年,由于世界潮流所趋,RTF(原RDF合并电视业务而成)在巴黎建立了第一个制作电子音乐的录音室。同样在1951年,薛菲与亨利为具体音乐与人声创作了一部歌剧《奥菲斯》(Orpheus,希腊神话中弹竖琴的名手)。

德国电子音乐[编辑]

卡尔海因兹·史托克豪森在电子音乐录音室WDR,德国科伦,1991

卡尔海因兹·史托克豪森曾于1952年在薛菲的录音室短暂工作过,之后多年都在WDR英语WDR位于科隆的录音室从事电子音乐工作。

1953年,NWDR英语NWDR在科伦正式设立广播录音室,后来成为全世界最有名的电子音乐录音室。其实早在1950年该录音室就已着手筹备,并在1951年就有产出作品并进行广播。[18]该实验室是威纳·梅尔-艾普勒英语Werner Meyer-Eppler、罗伯特·贝尔(Robert Beyer)与赫伯持·艾默特英语Herbert Eimert(他成为第一个编辑者)等人的智慧结晶,不久又加入了卡尔海因兹·史托克豪森与哥特弗里德·迈可·寇尼格英语Gottfried Michael Koenig。梅尔-艾普勒曾于1949年在他的论文《电子发声器:电子音乐与合成语音》(Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache)中推想出完全以电子制作信号合成音乐的概念;在这方面,德国的电子音乐明确地与法国的具体音乐区分开来,因为具体音乐是使用实际声音作为来源。[19]

“由于史托克豪森及莫里西欧·卡格尔英语Mauricio Kagel的坐阵,该录音室变成一年到头参访者络绎不绝、极富魅力的前卫大本营。”[20]这是在两次结合电子产出声音与传统管弦乐团的作品——《混合英语Mixtur》(1964年) 与 《赞美诗,第三区与管弦乐团英语Hymnen》(1967年)发表后所获得的评价。[21]史托克豪森表示他的听众反应说他的电子音乐带给他们一个“外太空”的体验、飞行的感觉或是感觉身处“奇幻梦境”。[22]最近,史托克豪森改在他位于屈尔滕的私人录音室制作电子音乐,他的最新作品在传媒中叫做《宇宙脉动英语Cosmic Pulses》(2007年)。

日本电子音乐[编辑]

当早期的电子乐器例如马特诺音波琴特雷门特劳乌特琴英语Trautonium第二次世界大战前的日本仍极少为人所知时,当时的一些作曲家如柴田南雄日语柴田南雄就已经知道这些乐器。战争结束后好几年,日本音乐家开始实验电子音乐;在一些机构的赞助下,作曲家得以应用最新的声音录制及处理设备。这些努力展现亚洲音乐英语Music of Asia与新兴潮流的融合英语Fusion (music),并且最终为日本在数十年后成为音乐科技发展的主宰者铺设了一条道路。[23]

随着电子公司索尼(当时称为东京通信工业株式会社)于1946年的创建,两位日本作曲家武满彻与柴田南雄于1940年代晚期各自写到关于电子科技制作音乐的可能应用。[24]在1948年,武满彻构想出一项可能“于一个小的忙碌的管子内带噪音进入经过萃炼的音乐基调”科技,是一个同年类似皮耶·薛菲的具体音乐的概念,当时武满彻还未被查觉到直到几年后。在1949年,柴田南雄写到他的概念关于“一个高性能的音乐仪器”这可以“合成任何类型的声波”并且是“非常容易操作”,预测这样的乐器“音乐的认知将会被巨大的改变”。同年,Sony发展了磁性带式录音机G-Type,[25]它成为一项法庭以及政府机关的受欢迎录音装置,也导致1951年Sony为家用发表H-Type。[23]

在1950年,实验工坊电子音乐录音室由一群音乐家成立,为了使用Sony录音机制作实验电子音乐。它包括了音乐家如武满彻、秋山邦晴日语秋山邦晴以及汤浅让二日语湯浅譲二,并且由Sony赞助,让他们可以接触最新的音乐科技,雇用武满彻来创作电子录音带音乐来展示他们(SONY)的带式录音机,并且赞助音乐会。第一个从这个群体的电子音乐录音带是" Toraware no Onna "(日:被束缚的女人)以及"Piece B",由秋山邦晴于1951年完成。他们制作的许多电声学的录音带经常用来作为广播,电影以及剧场的配乐。他们也举办了一些音乐会如1953年的"实验工作坊,第五次展示",该场使用一个"自动滑动"机器,由Sony发展出,让同步化aslide秀伴随一个于录音机上录制的音轨变为可能;他们在Sony的录音室内使用制作此场音乐会相同的装置。这场音乐会伴随着他们制作的实验性的电子声学录音带音乐,预期了当年之后在日本引进的具体音乐。更甚于实验工坊,几位作曲家例如,芥川也寸志日语芥川也寸志富永三郎日语富永三郎深井史郎日语深井史郎也于1952至1953年间进行了制作radiophonic录音带的实验。

日本经由黛敏郎引进了具体音乐,他在1952年参与了薛菲在巴黎的音乐会。他回到日本以后,他为了1952年的喜剧Carmen Jyunjyosu (日:卡门的纯洁内心)实验了一个简短的录音带音乐,并且制作了《X,Y,Z为具体音乐》,于1953年由JOQR电台播送。黛敏郎也为三岛由纪夫的1954年广播剧《拳击》制作了其他具体音乐作品。然而,薛菲的法国概念objet sonore (法:声音物件)没有影响到日本作曲家,取而代之的,他们的主要兴趣是音乐科技,依据黛敏郎,克服了"人类表演的材料与边界"限制。这导致了一些日本电声学音乐家使用十二音阶作曲技术,最明显的例子是入野义朗日语入野義朗在1951年的十二音体系作品《照相机的音乐会》(意:Concerto da Camera),以黛敏郎的《X, Y, Z为具体音乐》以及之后在1956年柴田南雄的电子音乐组织电子声音。

跟随着建立于1953年的科伦录音室,日本NHK公司也在东京建立了领导世界电子音乐的机构,NHK录音室,于1954年,备有例如基调产生以及音乐处理设备的科技、录音与声光设备、马特诺音波琴、测弦器以及Melochord、三角波震荡器、带式录音机、鸣响调谐器、带通滤波器,以及4通道跟8通道混音器。这个录音室包含的音乐家有黛敏郎、柴田南雄、汤浅让二、一柳慧日语一柳慧以及武满彻。这个录音室的第一个集成作品在1955年完成,包括黛敏郎的5分钟作品《学习 I:Sine波音乐由质数调和》、《由质数调谐波形的音乐》以及《方波以极锯齿波的发明》,由录音室里的各种基调产生能力制作,以及柴田南雄的20分钟立体声作品"为数位广播的具体音乐"。

梯郁太郎日语梯郁太郎在1940年代成立了一个修理工坊称作梯表店专门修理手表跟收音机,并且在1954年成立梯无线,它在1960年发展成为Ace Tone公司,并且在1972年成为Roland Corporation。梯郁太郎开始于1955年制作电子音乐乐器,基于创造能产生单声部的旋律的装置这目标。在1950年代晚期,他制造特雷门,马特诺音波琴以及电子琴,并且在1959年制作出夏威夷吉他放大器与电子风琴。

1950年代[编辑]

1956年艾默特(Herbert Eimert)的《乐曲五首》、施托克豪森的《青年之歌》等陆续问世。

五十年代电子音乐是计算就绪后再进行制作的,音的频率、时值、音量、起音、衰减、混响等均记于一定的座标纸上,再用磁带经过多次分录及混录而成。

1956年左右罗伯特·穆格(Robert Moog)发明包括振荡器放大器、程序控制器等在内的功能相当复杂的“电子发声合成装置”,使电子音乐的制作过程大为简化;制作者不但可以随意获取所需的声音,细微控制其波形、包括曲线等,而且能听到最后的音响。

美国电子音乐[编辑]

在美国,电子音乐在1939年早期被创造出来,当时John Cage 出版了 Imaginary Landscape, No。 1(想像的风景第一部),使用两部可变速的唱机转盘,频率录音机,无声钢琴以及铙拔。Cage于1942~1952年间制做了另外四部"想像的风景",全部都包含了电子元素。在1951年, Morton Feldman之后与Cage合作,制作了一个名为"边缘交叉"的作品,为风声,铜管乐器,敲击乐器,弦乐器,2震荡器以及极有吸引力的声音效果谱写,并且这个谱写用了Feldman的影像注解。

磁带计划的音乐由New York School的成员 (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor, and Morton Feldman)形成,并且维持了3年直到1954。Cage为这个合作写到:"在这个黑暗的社会,然而, Earle Brown, Morton Feldman, and Christian Wolff 的作品持续展示了智慧的光亮,为 一些观点的注解,表演以及听觉,行动 此理由是刺激的"

Cage于1953年完成了Williams Mix,当时他于为"磁性录音带音乐计划"工作。这个团体没有固定的机构,并且必须要依靠向商业声音录音室借来的时间,包括Louis and Bebe Barron录音室。

哥伦比亚-普林斯顿中心[编辑]

在同年,哥伦比亚大学购买了第一套带式录音机。。。一套专业的Ampex机器。。。为了录制音乐会的这个理由。 Vladimir Ussachevsky,他在哥伦比亚大学的音乐院,负责这个装置,并且几乎立刻开始对它的实验。 Herbert Russcol写到:"不久他被这新的响亮迷住了,他借由录制乐器达成,并且之后将它们互相重叠。" Ussachevsky之后说道:"我意外地领悟到录音机可以被视为一个声音转变的仪器。"在星期四,1952年5月8号, Ussachevsky呈现了数种音乐录音带/录音带效果的展示,于他所创立的作曲家论坛,在哥伦比亚大学的McMillin剧院。这里包含了变调,回响,实验,组合以及水下华尔滋。在一次的访谈中,他说道:"我呈现了一些我在纽约公开音乐会发现的例子,伴随着其我曾为传统乐器写过的组合。" Otto Luening,他参与了这场音乐会,注解到:"在它配置的这设备从在一个Ampex带式录音机。。。以及由年轻的天才工程师, Peter Mauzey设计的一个简单的盒状装置,用来创造回馈,一种机械式的回响形式。其他设备是借来的或以个人资金购买的。"

就在3个月后,1952年的8月, Ussachevsky到Bennington旅行, Vermont 在 Luening的邀请下去展示它的实验。在那里,他们两位合作出各式各样的作品。 Luening描述这个事件:"备有耳机以及一支横笛,我开始了我的第一次带式录音机组合的发展。我们彼此都是流利的即兴诗人并且这个媒介点燃了我们的想像。"他们在非正式的派对上表演了一些早期的作品,在那里"一群作曲家几乎庄严地恭喜道'就是'这个了'('这个'意思是未来的音乐)。"

消息很快就传到了纽约。 Oliver Daniel打电话并邀请这对人物来"为由美国作曲家联以及逛播音乐公司盟赞助的十月音乐会制作一群简短的组合,在 Leopold Stokowski指导下的纽约现代艺术博物馆,在一些犹豫之后,我们同意。。。 Henry Cowell安置他的家跟位于Woodstock,纽约的录音室,在我们的安排下。伴随位于Ussachevsky后车箱的借来的设备,我们为了Woodstock停留在Bennington两个星期。。。在之后的1952年9月,这间移动实验室抵达了Ussachevsky位于纽约的房间,在那里我们最终完成了这个组合。"

两个月后,在十月28日, Vladimir Ussachevsky 与 Otto Luening于美国展示了第一次录音带音乐的音乐会。这音乐会包含了Luening的 "太空中的幻想"(1952)—"一个印象主义的艺术爱好者作品"利用熟练的横笛录音以及—'低速' " (1952),一个"采用横笛远低于它自然范围的奇特组合。"两部作品都是在Henry Cowell 位于纽约 Woodstock的家中创造。在几场音乐会之后在纽约造成轰动, Ussachevsky 与 Luening被邀请到NBC的现场广播"今日秀"来作访谈展式。。。这个第一次的电视播送的电声学表演。 Luening对这件事表示"我为带式录音机即兴表演一些[横笛]序列。 Ussachevsky 接着把它们经由电子转变。"

1954见证到了世界正在考虑真正的电子加声学的合成的进步—声学乐器增加/伴随操作过的录音 并且/或者 电子产生的声音。在那年3个首要的工作: Varèse的 Déserts(法:沙漠),为室内小型合奏以及录音带声音,并且两个作品由Luening and Ussachevsky: "为Louisvillerul交响乐团的狂想曲的各式变化"以及"循环与钟声的一部史诗",两个都有为orchestra以及录音带制作。因为他已经为Schaeffer的录音室工作过, Varèse的录音带部分包含了比电子以外更多的具体声音。"一个由风的乐器组成的群体,敲击乐器与钢琴交替来伴随变种的工厂噪音以及船舶警报器以及马达声音,由两具大喇叭播放出来。"

Déserts被允许首次在巴黎的法国广播电台立体声播送。在德国首府汉堡,由Bruno Maderna的带领,录音带的控制由Karlheinz Stockhausen操作。 Déserts不只为Varèse被建议,"所有实体的沙漠(沙,海,雪,外太空,空旷的街道的),也是人类心里的沙漠;不仅剥去自然的一面,被建议为赤裸的,超然离群的,永恒的,也是遥远的没有望远镜可以达到的内在空间,在那里,人是孤独的,一个迷样的世界并且实质上的孤独。"

在1958年,哥伦比亚-普林斯顿发展了RCA Mark II声音合成器,第一个可程式化的合成器。卓越的作曲家例如Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt, Charles Wuorinen, Halim El-Dabh, Bülent Arel 与 Mario Davidovsky 使用了RCA 合成器延伸出各式各样的组合。一个早期录音室中最具影响力的作曲家,埃及的 Halim El-Dabh,他在1944年发展了最早的知名电子带式音乐,于Leiyla and the Poet(Leiyla 与史诗)变得更有名,这是一个于1959年的电子合成系列,坚决要求电子与民俗音乐沉浸与无缝的融合,当时跟被一连串的作曲家以更数学式的方式如Babbitt对比。 El-Dabh的 Leiyla and the Poet,于1961被作为Columbia-Princeton Electronic Music Center专辑的一部分释出,被一群音乐家引用为强力的影响,范围有Neil Rolnick, Charles Amirkhanian 与 Alice Shields to rock musicians Frank Zappa 以及 The West Coast Pop Art Experimental Band

随机音乐[编辑]

一个重要的新发展由电脑的进步产生,为了创作音乐的目的,与操作或创造声音作对比。 Iannis Xenakis开始称作musique stochastique(法:随机音乐),这是个使用数学上的机率系统来制作的方法。不同的机率演算法在一组参数下被用来创造一件作品。 Xenakis在不使用随机方式创造了早期的录音带作品例如Concret PH (1958),并且实验了空间化与多媒体,创造了polytopes例如Polytope de Montréal。 Xenakis利用电脑来为弦乐4重奏创作如ST/4,以及为管弦乐团创作ST/48(两个都在1962), Morsima-Amorsima, ST/10, 以及 Atrées, 等作品。他为了转换图形图像为音乐结果发展了UPIC电脑系统并且为了它创作了Mycènes Alpha (1978)。

1950年代中期至晚期[编辑]

在1954年, Stockhausen创作了他的Elektronische Studie II(德:电子学习II)—第一个电子作品被出版为乐谱。在1955年,更多实验性且电子的录音室开始出现。著名的是Fonologia录音室的创建(已经提及),由Toshiro Mayuzumi建立的东京NHK录音室,以及位于荷兰Eindhoven的Phillips录音室,该录音室于1960移至University of Utrecht成为Institute of Sonology 。 Forbidden Planet的谱曲,由Louis 与 Bebe Barron,完全使用客制化的电子电路以及带式录音机作曲,于1956年。

世界的第一台用来播放音乐的电脑是CSIRAC,是由Trevor Pearcey 与 Maston Beard设计制造。数学家Geoff Hill自1950年代的最早期为CSIRAC撰写成是来播放流行音乐旋律。在1951年它(电脑)公开的播放Colonel Bogey March(桂河大桥),其中没有已知的录音档存在。然而,CSIRAC放送了标准的个人曲目并且不是用来延伸音乐层面对于合成实践的思考。CSIRAC从来没有录音,但是音乐的放送确实被重新建构(文献12)。最早期的电脑产生录音的音乐是由 Ferranti Mark 1电脑达到,是Baby Machine的一个商业化的版本,由University of Manchester于1951年秋天开发出来。音乐软体是由Christopher Strachey撰写。

电脑所造成的冲击在1956年持续。 Lejaren Hiller and Leonard Isaacson为弦乐4重奏创作了 Illiac Suite,第一个使用电脑辅助合成演算法来合成的完整创作。"。。。 Hiller假设道电脑可以是被以特定形态的规则来教育并且之后被呼唤来照著作曲 "之后的发展包括Bell Laboratories(贝尔实验室)的 Max Mathews 的工作,他发展了有影响力的MUSIC I 程式。在1957年,MUSCI,其中一台第一次程式化的电脑用来播放电子音乐,是由Bell Laboratories的 Max Mathews创造。声音传播机科技也同样是此领域的早期主要发展。在1956年, Stockhausen创作了Gesang der Jünglinge, Cologne录音室的第一份主要贡献,基础于 Book of Daniel的一份文件内容。该年一个重要的科技发展是 Raymond Scott发明的Clavivox合成器与由Robert Moog组装成。 并且在1957年, Kid Baltan (Dick Raaymakers) 与 Tom Dissevelt释出他们的首次登台专辑, Song Of The Second Moon(第二月亮之歌),在Phillips录音室录制。大众对于全世界创造出来的新声音维持着高度兴趣,可以被追朔到包括Varèse的 Poème électronique(电子史诗),该场使用了四百具扬声器,在1958年的比利时布鲁塞尔世界博览会的飞利浦花园凉亭播放。同年, Mauricio Kagel,一位阿根廷的作曲家,创作了Transición II(转变 II)。这份创作在科伦的WDR录音室实现。两位音乐家使用一部钢琴表演,一个使用传统方式,另一个演奏弦乐,框架与盒子。另外两位表演者使用录音带来结合五种由预先录好的素材现场展示之后会展式的未来的声音以及过去在这表演上制作的录音。

扩张: 1960年代[编辑]

这是个电子音乐多产的年代-不仅只学术界,而对于独立艺术家们合成器科技变得更容易接近。在此时,一个强力的作曲家与音乐家社群建立并茁壮,致力创造于新声音与乐器。1960年见证了Luening的 Gargoyles为小提琴与录音带的合成,如同列为首位的Stockhausen为电子声音,钢琴以及敲击乐器制作的 Kontakte。这件作品存在两个版本—一个是为了4通道的录音带,另一个是为了由一群人表演的录音带而制作。"在Kontakte里, Stockhausen遗弃基于线性以及戏剧性高潮发展出来的传统音乐。这个新通道,他措辞道' moment form '(瞬间形式),类似20世纪早期发展出来的'cinematic splice'(电影剪接)技术。

第一出现的个此类合成器是Buchla。在1963年出现,它是由具体音乐的作曲家Morton Subotnick制作出的一个先锋成就。

特雷门自从1920年代就被使用,但它被获得高度欢迎是自从1950年代被用在科幻电影的原声带音乐(例如 Bernard Herrmann为 The Day the Earth Stood Still经典的谱曲)。

在此时期的英国,BBC广播电台工作坊(1958建立)浮现了一个全世界最具生产力且广为人知的电子音乐录音室,得感谢BBC科幻系列Doctor Who他们大量的贡献。其中一个最有影响力的英国电子艺术家是该工作坊的员工Delia Derbyshire,她在1963年当时以实践电子音乐的象征性Doctor Who主题曲闻名,由Ron Grainer作曲。

以色列作曲家 Josef Tal在耶路撒冷地攒音乐录音室(~1965年)。在右边的是Hugh Le Caine特别为带式录音而做的声音合成器。

在1961年Josef Tal在希伯来大学建立了以色列电子音乐中心,并且在1962年Hugh Le Caine抵达耶路撒冷为了将他的创新带式录音机安装进此中心。在1990年代Tal与Dr Shlomo Markel一同引领(后方单位)合作, Technion –以色列科技大学以及VolkswagenStiftung,一个致力为电子音乐发展新颖的音乐乐谱系统的研究企划(Talmark)。 Milton Babbitt使用了合成器创作了他的第一个电子作品—他的 "为合成器组合"(1961)—这作品他使用了位于哥伦比亚—普林斯顿电子音乐中心的RCA合成器。

为了Babbitt,此RCA合成器基于3个理由而实现了梦想。第一,精确以及精准控制控制各种音乐元素的能力。第二,需要实践他精心制作的系列结构的时间被带来以实用的方式达成。第三,问题不再是"人类表演者的极限是什么?"而是"人类听力的极限是什么?"

这件合作案也跨越了海洋跟大陆而发生。在1961年, Ussachevsky 邀请 Varèse到哥伦比亚-普林斯顿录音室(CPEMC)。在抵达后,Varèse着手一个Déserts的修订版,由Mario Davidovsky 以及 Bülent Arel协助。 这剧烈的活动发生在CPEMC以及在别处受到启发而建立了旧金山录音带音乐中心,由Morton Subotnick于1963建立,伴随着其他成员如Pauline Oliveros, Ramon Sender, Anthony Martin, 以及 Terry Riley。 Riley加录的录音A Rainbow in Curved Air (弯曲空气中的一道彩虹)(1967)中采用了各式各样的电子键盘乐器,全部由即兴的作曲家演奏。

之后,这间中心移到了Mills College,由 Pauline Oliveros指导,那里就是现今知名的"当代音乐中心"。 在旧金山同时地,作曲家Stan Shaff以及设备设计师Doug McEachern,在旧金山州立学院呈现了第一场"Audium"音乐会(1962),随后在旧金山当代艺术博物馆创做了另一件作品(1963),作为即时想像,在太空中控制声音的变动。12具喇叭环绕着听众,4具喇叭被装置在上方一个旋转的,看似可移动的结构内。

在接着一年的一次SFMOMA表演中(1964),"旧金山历史"的音乐评论家Alfred Frankenstein建议道"太空声音连续体的可能性难得被广泛地探索出来"。在1967年,第一次的Audium,"太空声音连续体"展开,每周举办表演直到1970年。在1975年,由国家艺术基金出资使之可行化,一个新的Audium展开,为太空声音合成与表演而设计地面至天花板。那里有许多作曲家藉设置在表演空间内的多具喇叭以及切换或是淘洗于各处音源间来操作太空声音。在这个方法中,组成的各喇叭的空间操作是独立的并且通常开拓围场内的声学特性。例如包含着Varèse的史诗"电子"(于1958年在布鲁塞尔式界博览会中,Phillips花园凉亭中表演的录音带音乐)以及Stanley Schaff的Audium设置,目前活耀于旧金山。经由每周固定的节目(在40年内超过4500场), Shaff "雕刻"声音,透过176具喇叭现场表演现今数位化的空间作品。

一个知名的使用Moog的全尺调谐合成器寸例子是Switched-On Bach(知到最新流行的巴哈)专辑,由 Wendy Carlos制作,触发了合成器音乐的狂热。

Pietro Grossi式义大利的电脑合成与录音带音乐先锋,他首先于60年代早期实验了电子技术。 Gross曾经是个大提琴演奏家以及作曲家,于1917年在威尼斯出生。他于1963年成立了S 2F M(Studio de Fonologia Musicale di Firenze),为了实验电子声音以及合成。

电脑音乐[编辑]

CSIRAC,第一台播放音乐的电脑,在1951年8月公开播送(文献12)。第一个电脑音乐的大规模公开展示是一个在NBC广播网的节目Monitor在1962年2月10号预先录好的国家广播。在1961年, LaFarr Stuart使用Iowa State University的 CYCLONE电脑撰写程式(Illiac的一项衍伸物)来经由一个放大的喇叭连结到系统拨放简单,基调可辨识的音乐,原先是为了管理与诊断目地。在一次与Stuart先生的访谈中伴随着他的电脑音乐。

在1950年代晚期,1960年代以及1970年代也可见到大型电脑主机合成器的发展,从1957年开始, 贝尔实验室的Max Mathews发展了MUSIC程式,最终到MUSIC V,是一个直接数位合成器语言。

现场电子[编辑]

在美国,现场电子在1960年代由Milton Cohen的 Space Theater的成员们在Ann Arbor, Michigan开拓出来,包括Gordon Mumma 以及 Robert Ashley,由众多独立制作如David Tudor于大约1965年,以及音速艺术联盟,由Gordon Mumma, Robert Ashley, Alvin Lucier, 以及 David Behrman成立于1966年。在1960年, John Cage创作了Cartridge Music(针匣音乐),最早期的现场电子中的一个创作。在欧洲1964年, Karlheinz Stockhausen为tam-tam手持麦克风,滤波器以及电位计创作了Mikrophonie I(德:麦克风 I) ,以及为了管弦乐制作Mixtur,使用四具sine波产生器以及4钟鸣调谐器。在1965年,他为唱诗班创作了 Mikrophonie II (德:麦克风 II),使用汉孟牌电子琴以及钟鸣调谐器。

爵士作曲家和音乐家Paul Bley 以及 Annette Peacock在1960年代晚期进行了一些第一次现场音乐会表演,使用Moog合成器。 Peacock规律的利用客制化的Moog合成器在舞台上以及在录音室录音时来处理她的声音。 在1966~67年, Reed Ghazala发现并且开始教学"弯折电路"—创造电路短路的应用,一个处理短路的机会,创造了实验性电子乐器,主要探索了声音元素的音色与较少一点关于音高或是旋律,并且由John Cage的aleatoric music(即兴音乐)概念所影响。

流行化: 1970年代到1980年代早期[编辑]

合成器[编辑]

于1970年由Moog Music释出Mini-Moog ,是第一个可以被广泛取得,可携式以及相对地负担的起的合成器。它成为在流行与电子艺术音乐两者中都最广泛使用的合成器。 Patrick Gleeson,与Herbie Hancock于1970年代开始一起播送现场音乐,成为在巡回内容中使用合成器的先锋,在那里他们受限于压力以及早期的机器并没为他们被设计出来。

在1974年,在科伦的WDR录音室取得EMS Synthi 100 合成器,该乐器被许多作曲家用来制作著名的电子作品—包括 Rolf Gehlhaar的 Fünf deutsche Tänze (1975), Karlheinz Stockhausen的 Sirius (1975–76)以及 John McGuire的 Pulse Music III (1978)。

1980年代早期见证到了贝斯合成器的兴起,最主要的影响是Roland TB-303,是一具贝斯合成器以及定序器,于1981年晚期释出,这之后成为电子舞曲的一项设备,特别是acid house(酸性浩室)。首先使用的其中一位是Charanjit Singh在1982年,虽然它没有被普及直到1987年Phuture推出"Acid Tracks"(酸性音轨)。

IRCAM,STEIM,以及Elektronmusikstudion[编辑]

IRCAM 在巴黎成为一个主要的电脑音乐研究与实践化的中心,并且发展了Sogitec 4X电脑系统,然后特色是革命性的即时数位讯号处理。 Pierre Boulez的 Répons (1981)为24音乐家以及6独奏者使用4X来转化以及将独奏者们安排上扬声器系统。

STEIM 是一个在电子表演艺术方面为了研究与发展新乐器的中心,位于荷兰的阿姆斯特丹。STEIM自从1969年就存在。 它是由Misha Mengelberg, Louis Andriessen, Peter Schat, Dick Raaymakers, Jan van Vlijmen, Reinbert de Leeuw, 以及 Konrad Boehmer所建立。这群荷兰作曲家已经为了改革阿姆斯特丹的封闭的音乐结构而奋斗;他们于荷兰坚持将Bruno Maderna任命为Concertgebouw管弦乐团音乐指导者并且为实验以及即兴创作实施了第一次的公众募资。

Elektronmusikstudion (EMS),从前被认知为"瑞典电声学音乐",是瑞典的电子音乐与声音艺术的国家中心。这个研究组织于1964年于斯德哥尔摩创立。

流行电子音乐的兴起[编辑]

Keith Emerson在2008年于St。 Petersburg(圣彼得堡)表演

在1960年代晚期,流行以及摇滚音乐家,包括The Beach Boys 与 The Beatles开始使用电子乐器,像特雷门与Mellotron,用来增补以及定义他们的声音。在这10年的尾声,Moog合成器在的新兴的渐进式摇滚中取得了领导地位,包括乐团如Pink Floyd, Yes, Emerson, Lake & Palmer, 以及 Genesis以他们的声音制做了他们的部分。用乐器演奏的训诫摇滚是欧洲大陆特别显著的,允许乐团如Kraftwerk, Tangerine Dream, Can,以及 Faust用来规避语言障碍。

他们的重度合成" Kraut rock"(轻蔑摇滚),伴随着Brian Eno的创作(曾经偕同Roxy Music的键盘手),是一个对随后的"synth rock"(合成摇滚)成为主要的影响。

电子摇滚也被一些日本音乐家制作出来,包括 Isao Tomita的 Electric Samurai: Switched on Rock (1972)(电子武士:知道最新的摇滚),这里使用了Moog合成器演奏当代的流行与摇滚歌曲,以及Osamu Kitajima的渐进式摇滚专辑Benzaiten (1974)。1970年代中期见证了电子音乐家的兴起,例如Jean Michel Jarre, Vangelis, 以及 Tomita,他与Brian Eno对新世纪音乐的发展有巨大影响。

在庞克摇滚到来以后,一种基本的合成摇滚兴起,越来越多地使用新式数位科技来取代其他乐器。成为先锋的乐团有Ultravox 带着 1977年的单曲"Hiroshima Mon Amour"(法:我的爱在广岛),日本的Yellow Magic Orchestra (黄色魔法管弦乐团), Gary Numan, Depeche Mode, The Human League, Orchestral Manoeuvres in the Dark(黑暗中管弦乐的调动) 以及 来自UK的Tubeway Army , 以及来自美国的 Devo。黄色魔术管弦乐团特别的帮助先驱者synthpop(合成流行乐),伴随着他们的同名专辑(1978)以及Solid State Survivor (1979)(固态生还者)。MIDI的定义以及数位音乐的发展让唇电子声音的发展更加容易。这些发展导致合成流行乐的茁壮,这之后被New Romantic(新浪漫主义)运动采用,在80年代早期允许合成器来主宰流行以及摇滚音乐。关键的角色包括有Duran Duran, Spandau Ballet,A Flock of Seagulls, Culture Club, Talk Talk, Japan 以及 Eurythmics。 合成流行乐有实使用合成器来取代其他乐器,直到这个形式于1980年代中期开始于流行界失宠。

音序器与鼓机[编辑]

音序器于约20世纪中期开始被使用,并且由 Tomita在1970年代中期的专辑成为之后的范例。在1978年,黄色魔法管弦乐使用了以电脑为基础的科技连结一具合成器来制作流行音乐,造成了他们早期对以微处理机基础的 Roland MC-8微处理机音序器。

鼓机,也在约1950年代晚期开始被使用,一个稍后出现的例子是Osamu Kitajima 的渐进式摇滚专辑Benzaiten (1974),使用了一个旋律机器伴随着电子鼓以及一具合成器。在1977年, Ultravox的 "我的爱在广岛"是第一次使用类似节拍器的敲击乐器Roland TR-77鼓机的其中一张单曲。在1980年, Roland 公司推出了 TR-808 鼓机,是最早并且最受欢迎的可编程鼓机。于1980年被黄色魔法管弦乐团首次用在出版歌曲的制作过程,TR-808 在后来出版的 Marvin Gaye的 "Sexual Healing" 以及 Afrika Bambaataa 于1982年的"Planet Rock" 都获得广泛的使用。TR-808标志性的声音是之后1980年代晚期的Detroit techno scene(底特律铁克诺风潮)中的一个基础元素,并且是Derrick May 以及 Juan Atkins 的首选鼓机。

MIDI的诞生[编辑]

在1980年代,一群音乐家与音乐商人遇见为了标准化一个介面,该乐器可以利用来沟通其它乐器以及电脑间的控制指令。这个标准称为Musical Instrument Digital Interface (MIDI)(乐器数位介面)并且最初起因于领导厂商Sequential Circuits, Oberheim, Roland的合作—并且在之后,其他参与厂商包括Yamaha, Korg, 以及 Kawai。一篇由Dave Smith名为Sequential Circuits and proposed to the Audio Engineering Society(连续电路与推荐于音乐工程社会)的文献于1981年著作。之后,在1983年的8月,MIDI 1.0 标准完成。

MIDI科技允许录音室单一敲击键,控制所有动作,踏板动作或从微电脑下指令来启动所有装置远距离地以及同步,其中每样装置由作曲家预先决定好依据各种状况来反应。

MIDI乐器以及软体创造了对于精密乐器的强大控制并且为许多录音室以及个人轻易负担的起。声学声音经由采样动作以及 采样过的唯读记忆体为基础的乐器 被重新整合入录音室。

Miller Puckette为4X电脑发展了图形化信号处理软体称作Max(在Max Mathews之后)并且之后引入麦金塔(由Dave Zicarelli 为 Opcode来延伸它)为即时MIDI控制,带来了对大部分作曲家不太多的电脑程式语言背景带来演算法的合成可能性。

数位合成[编辑]

在1975年,日本公司Yamaha获得了John Chowning在频率谐调合成器(FM合成)的演算法的许可,J。C。他从1971开始年在史丹佛大学实验。Yamaha的工程师开始采用Chowning的演算法用于数位合成器,加入了例如"key scaling"(音阶)方法的改善,这方法用来避免导致失真,失真通常发生在类比系统的频率谐调上。然而,第一个商业化释出的的数位合成器可能是1979年澳洲的 Fairlight company的Fairlight CMI (Computer Musical Instrument)(电脑音乐乐器),第一个实际多音的数位合成/取样系统。

在1980年,Yamaha终于释出地一台FM数位合成器, Yamaha GS-1,但是价格很昂贵。在1983年,Yamaha介绍了第一个独立的数位合成器, DX-7,它也使用FM合成器并且可能是成为到目前为止最卖座的合成器。DX-7知名的是它清楚可辨识的音调,这部分是起由于57kHz的anoverachieving 取样率。 Barry Vercoe对他对于早期电脑声音的经验描述道:

在IRCAM(Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique)(研究与整理声学/音乐机构)1982年的巴黎,长笛演奏者Larry Beauregard已经将他的长笛与DiGiugno的4X音乐处理器连结,予以即时接续音高。在这期间的一间Guggenheim(古根汉),我延伸这个概念到即时接续谱曲,借由自动同步过的伴奏,并且在两年后, Larry与我给予了很多的电脑成为室内乐音乐家播放Handel长笛奏鸣曲的展示, Boulez为长笛与钢琴制作的 Sonatine (法:小奏鸣曲)以及我自己为长笛以及电脑于1984年制作的的Synapse II(突触II) —第一件作品特别为这个装置组合来创作。一个主要的挑战是找寻正确建构来支持高度敏感响应与伴奏的软体。所有这些是前-MIDI,但这些结果是令人钦佩的,尽管重剂量的拍子弹性速度可能连续地让我的"Synthetic Performer"(合成表演者)吃惊。在1985年,我们借由并入learning from rehearsals解决了拍子弹性速度的问题(每次你以此方式弹奏,机器都会变得更好)。我们也正在追踪小提琴,自从我们智慧且年轻的长笛家得到致命的癌症。甚至,这个版本使用一个新的称作MIDI的标准,并且在此我可以被以前的学生Miller Puckette协助,他对这份任务的初步概念之后扩张为一个称为MAX的程式。

Chiptunes(晶片旋律)[编辑]

低价家用电脑的新能力在80年代以及90年代导致了晶片旋律的兴起。晶片旋律,chipmusic(晶片音乐)或chip music是以声音电脑格式写成的音乐,这里许多声音材料被即时合成与定序,借由一台电脑或电视游乐的声音晶片,有时包括基础样本的合成以及低位元样本的播放。晶片音乐的lo-fi(低传真)声音的特性是早期声音卡技术上限制造成的最初结果;然而,声音自此以后成为它自己寻找的权力。

1970年代末到1980年代末[编辑]

YMO、Depeche Mode、Devo 等乐团成功打造出非常流行的电子音乐,当时尚未有如此强调科技感的音乐类型,使得现在许多乐手以及乐迷还是非常怀念。

1980年代晚期至1990年代[编辑]

舞曲的兴起[编辑]

在1980年代晚期,舞曲录音造就仅使用电子乐器的方式变为越来越受欢迎。这个趋势已经在全世界的现代夜间俱乐部持续到现今,定期地播放电子舞曲。当下,电子舞曲非常受欢迎,那个种类专用的广播电台与电视频道存在着。

进展[编辑]

在1990年代,互动式的电脑辅助表演开始变为可能,其中一个例子如以下描述:

即时的自动化的调和旋律:一个互动式电脑系统,包含进长笛演奏家/作曲家Pedro Eustache 被发展出来,为了即时的旋律分析以及和声伴奏。根基于崭新的合声系统,这个软体分析了有旋律音调的功能并传来注解,而且即刻表演了一个这个旋律的管弦乐调合。这个软体原始设计来使用于Eustache的表演,借由Yamaha WX7风控制器,以及使用他的组合Tetelestai,最早在1999年的3月于Irvine, California。

其他最近的发展包括Tod Machover (MIT 与 IRCAM)为"hypercello"(cello即大提琴)的合成曲Begin Again Again (开始一遍又一遍),一个具有多个感测器的互动系统,量测大提琴家的实体动作。 Max Mathews为了即时拍子,动态以及音色控制的发展了"导体"程式,预先输入电子乐谱。 Morton Subotnick释出了一个多媒体的CD-ROM All My Hummingbirds Have Alibis(我的所有蜂鸟们有借口)。

近期发展:1980年代到2000年代初[编辑]

电音的分类是归在摇滚底下的,比较可信的起源是从80年代末的一家黑人Disco舞厅流行开来,大致上音乐作法采取键盘与合成器采样的声音编排而成,搭配电子鼓,重复小节循环而成,再细分就要以节拍数区分,非常多,但是电音中Ambient这类型是从古典乐→现代室内乐→Ambient演变而来的,但不一定要用到电子乐器,也不完全以节奏带动曲调的走向。

至于摇滚如果是1996年以前是不重视电音这部份的发展,有的话指的是电子音乐,New Wave时期,如New Order,Depeche Mode诸如此类,到2000年后摇滚流行起加入电音模式。

2000年代[编辑]

Qlimax,一个大型的电子音乐盛事,每年在荷兰举办,庆祝电子音乐的硬式子类型

在最近几年,当电脑科技已经变得容易接近并且音乐软体已经进步,与音乐制作互动的科技现在可行来使用不带有任何传统音乐关联的实践表演:例如,膝上型电脑表演(laptronica) 以及live coding(现场解码)。通常,Live PA这个名词专指任何电子音乐的现场表演,无论是否伴随膝上型电脑,合成器或其他装置。

在最近的10年,大量的软体基础的虚拟录音室环境已经兴起,有产品如Propellerhead的 Reason以及Ableton Live找到对流行的吸引力。这类软体对于典型硬体基础的录音室产品提供可实行的而且划算的替代方案,并且感谢微处理器科技的进步,现在可以使用稍微比单一膝上型电脑多一点点的设备创造高品质的音乐。这项进部已经使音乐创作大众化,导致在家制作的电子音乐的数量巨大的增加并透过可用的网际网路大众化公开。

艺术家们现在也可以实践他们作品的个性化,借由创造个人化的软体合成器,效果单元以及各式各样合成环境。曾经专门在硬体领域存在的各种装置可以轻易地有虚拟版本。一些为达到这些目标的更受欢迎的软体工具是商业释出的,例如Max/Msp 以及 Reaktor与开放来源的封包例如Csound, Pure Data,SuperCollider以及 ChucK。

电路弯折[编辑]

探索"弯折",利用一支钟表商用的螺丝起子以及鳄鱼夹

电路弯折是在电子装置内部创造客制化电路的方法,例如低电压电池驱动的吉他音效,小孩子的玩具toysand,与用来创造新音乐或是视觉的仪器,小型的数位合成器以及声音产生器。强调自然性以及随机性,这些电路弯折的技术已经被通常地关联到噪音音乐,尽管更多传统当代音乐家以及音乐团体已经知道去实验"弯折"乐器。电路弯折经常牵涉到拆解机器并且加上例如开关或电位计等组件,用来修改电路。伴随着对类比合成器电路弯折兴趣的复苏,此技术成为一个为许多实验音乐家来创造他们自己个别的类比声音产生器的廉价的解决方案。

现今许多图解可以被找到来建构噪音产生器例如 Atari Punk Console 或是 the Dub Siren,只要简单修改孩子的玩具例如知名的Speak & Spells,常用来被电路弯折者修改。 Reed Ghazala通常被认为是"电路弯折之父",因为他最早由Speak & Spell发现,并且自从开始他的工作他已经具备学徒资格。

著名制作人与DJ[编辑]

相关条目[编辑]

参考文献[编辑]

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  21. ^ Stockhausen 1978,第73–76, 78–79页.
  22. ^ "In 1967, just following the world premiere of Hymnen, Stockhausen said about the electronic music experience: '... Many listeners have projected that strange new music which they experienced—especially in the realm of electronic music—into extraterrestrial space. Even though they are not familiar with it through human experience, they identify it with the fantastic dream world. Several have commented that my electronic music sounds "like on a different star," or "like in outer space." Many have said that when hearing this music, they have sensations as if flying at an infinitely high speed, and then again, as if immobile in an immense space. Thus, extreme words are employed to describe such experience, which are not "objectively" communicable in the sense of an object description, but rather which exist in the subjective fantasy and which are projected into the extraterrestrial space'" ( Holmes 2002,第145页).
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衍生阅读[编辑]