波普藝術
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普普藝術（Pop Art）又稱波普藝術，是一個探討通俗文化與藝術之間關連的藝術運動。普普藝術試圖推翻抽象表現藝術並轉向符號，商標等具象的大眾文化主題。普普藝術這個字目前已知的是1956年英國的藝術評論家羅倫斯·艾偉（Laurence Alloway）所提出的。
普普藝術同時也是一些諷刺，市儈貪婪本性的沿伸。簡單來說，普普藝術是當今較底層藝術市場的前身。普普藝術家大量複製印刷的藝術品造成了相當多評論。早期某些波普藝術家力爭博物館典藏或贊助的機會。並使用很多廉價顏料創作，作品不久之後就無法保存。這也引起一些爭議。1960年代，普普藝術的影響力量開始在英國和美國流傳，造就了許多當代的藝術家。後期的普普藝術幾乎都在探討美國的大眾文化。
普普藝術特殊的地方在於它對於流行時尚有相當特別而且長久的影響力。不少服裝設計，平面設計師都直接或間接的從普普藝術中取得靈感。
知名的普普藝術家包括：
- 理察·漢密爾頓（Richard Hamilton）
- 凱斯·哈林（Keith Haring）
- 大衛·霍克尼（David Hockney）
- 賈斯培·瓊斯（Jasper Johns）
- 羅依·李奇登斯坦（Roy Lichtenstein）
- 彼得·馬克斯（Peter Max）
- 克拉斯·歐登伯格（Claes Oldenburg）
- 羅伯特·羅申伯格（Robert Rauschenberg）
- 詹姆斯·羅森奎斯特（James Rosenquist）
- 偉恩·第伯（Wayne Thiebaud）
- 安迪·沃荷（Andy Warhol）
- 草間彌生（草間彌生）
- 高野綾（タカノ綾）
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Pop Art 是1962~1965年間盛行於國際的新藝術，其目的是反對自1920年以來，以德國包 浩斯為中心發展起來的現代主義設計傳統。這個運動的思想根源，其實是從美國的大眾 文化中得來的。 當時的英國從美國的大眾文化得到啟發，這些影響包括好萊塢電影、搖滾樂、消費文化 等等。而「Pop Art」一詞是在1954年於倫敦被英國年輕的美術批評家Lawrence Alloway (勞倫斯‧阿洛威)所提出。 Alloway所提到的Pop Art，係指在雜誌上的廣告、電影院門外的招貼畫及大量的宣傳畫， 與後來人們賦予它的意義極不同。 Pop Art在1961年首先出現在英國；1962年時傳到美國。它在傳到美國後迅速發展起來， 並正式成為一種美術運動。
英國的普普藝術 1952年，普普藝術在倫敦問世。 一個藝術小團體在當代藝術學院成立；團體裡有漢密爾頓(Richard Hamilton)、帕奧羅基 (Edorado Paolozzi)，還有「普普」一詞的發明人(Lawrence Alloway)。其宗旨在於使藝 術更接近普通人。 1961年，倫敦皇家藝術學院出現了另一個團體，信奉阿洛威的思想。這個團體和美國人不 同，他們在使用大眾圖像時，很注重技法，包括繪畫技法的運用。 英國「普普」設計比較集中在時裝設計、家具設計、室內設計、平面設計幾個方面。其中 以時裝設計顯得最為突出。時裝設計也是英國「普普」設計第一個出現的運動。
美國的普普藝術 普普藝術迅速的發展起來，正式形成一種美術運動是在它傳到美國後。而普普藝術是如何 傳到美國的呢? 話說在1962年時，阿洛威被聘為美國古金漢美術館的負責人，當他到了紐約之後，看到了 幾位美國年輕畫家的作品，例如羅森柏和瓊斯，這兩人的作品都是從紐約抽象表現派走出 來，在畫面上擺上了日常所見的物品，於是阿洛威稱這些作品是美國的「普普」。
Pop Art迅速在紐約發展的原因 從1961~1962年，正是美國經濟不景氣的時候，直接影響到繪畫市場，紐約派的畫，價格 普遍下降。此外，一般客戶也要求一些新的東西，紐約派的畫自然就失去了一般大眾的支 持。
Pop Art的定義 1957年7月1日，漢彌頓寫出普普藝術的定義: 大眾化(Popular)目的為了大眾片刻的(短標題) 可以擴大的(易忘的) 大量製作的(便宜的) 年輕的 機敏的、性的、迷惑人的、商業化的
普普（POP）一詞來自英文的大眾化（POPULAR），大多數的人都認為普普藝術發源於美國，因為普普藝術的作品大量採用美國的大眾文化，事實上，普普藝術一九六一年首先在英國出現，一九六二年才接著在美國出現。
普普藝術最初在英國出現的原因是：當時英國人從美國的大眾文化得到啟發，包括好萊塢電影、搖滾樂、消費文化等，這種對物質崇拜，各類新產品不斷出現的美國文化對於戰後物資匱乏的英國人來講有極大的吸引力，故一九五四年英國倫敦的一位美術批評家首先提出（普普）一詞，而當時僅是指電影院外的張貼宣傳畫以及雜誌的廣告。
然而之後普普藝術又為何在美國引起一陣旋風？我們探究其原因後，作以下的推斷：在五０年代時期，美國抽象表現主義盛行，作品大多是令人感到脫離現實的感覺，而此時英國的普普藝術出現，給了人們一個全然不同於抽象表現主義的選擇。
普普藝術它強調將三次元的世界表現於二次元的畫面上，把現實形象物體化，例如：將現實生活中可看到的海報、標誌、漫畫、照片等作分解、片段化、部分擴大、變色等效果。基本上普普藝術簡單來講就是把日常生活的現實原貌帶入藝術中，有人認為普普藝術只是粗俗、廉價、藝媚模仿的，但亦有人認為它是對藝術的反叛、對消費社會的一種嘲諷。
雖然普普運動時間短暫，但是代表作品甚多 -- 有史上第一幅普普藝術繪畫之稱的 〝漢密爾頓〞（Ｒｉｃｈａｒｄ Ｈａｍｉｌｔｏｎ）所繪的「這就是明天」（Ｊｕｓｔ Ｗｈａｔ Ｉｓ Ｉｔ Ｔｈａｔ Ｍａｋｅｓ Ｔｏｄａｙ'ｓ Ｈｏｍｅ Ｓｏ Ｄｉｆｆｅｒｅｎｔ，Ｓｏ Ａｐｐｅａｌｉｎｇ）就充分地用用美國大眾文化的內容，如瑪麗蓮夢露肖像、電視機、錄音機、通俗海報、健美先生等等。
繼漢密爾頓之後是羅森柏（Ｒｏｂｅｒｔ Ｒａｕｓｃｈｅｎｂｅｒｇ）與瓊斯（Ｊａｓｐｅｒ Ｊｏｈｎ），這兩位的作品都是從抽象表現派走來，羅柏森認為一件藝術品可以任何長短時間存在，可以使用任何材料，可以在任何地方，就如他的作品「紙盒的門」；至於瓊斯，曾經把兩個啤酒灌鑄澄青銅，為表達將平凡的事物作永垂不朽的處理；而繪畫方面代表作「靶子」則是使用大量油料堆出如浮雕般的效果。這種接近工業社會的普普藝術作品十分受到美國大眾的支持。
另外又有採用日常生活用品，將實物與繪畫組合在一起繪出，如偉塞爾曼（Ｔｏｍ Ｗｅｓｓｅｌｍａｎｎ）的「浴室」就是以廣告中裸體女人的照片繪於畫布上，在配上浴室和家具做出綜合繪畫的效果。「反覆」亦是普普藝術的重要特色之一，代表人物為沃霍爾（Ａｎｄｙ Ｗａｒｈｏｌ），它以單一影像為素材作畫，成為美術史上一個原創性的指標。
前面提到普普藝術是將物項作縮小、放大、伸張等等，屬於一種尺度的藝術，而紐約的〝李其登斯坦〞（Ｒｏｙ Ｌｉｃｈｔｅｎｓｔｅｉｎ）正是此技法的表現畫家，他把日常生活中的廣告商品、連環漫畫、海報的局部放至極大，並上誇張高明度的色彩以及使用黑線勾勒輪廓作畫。 普普藝術對設計史亦有深遠的影響，英國是普普設計的發源地，普普設計的發起是為了要反抗當時風行全球的現代主義及國際主義設計風格，各種各樣特殊的圖案設計、奇怪的產品造形、表面裝飾等反常規的設計紛紛出現在家具設計、室內設計、平面設計及時裝中，頓時設計界熱鬧非凡，旗幟鮮明，但可惜的是這股普普風太過於注重追求古怪、追求新奇，而缺乏社會文化的堅實依據，所以來勢洶洶，卻消失得非常迅速。
在六O年代末，極限主義、後極限主義與觀念藝術等，已經上了國際藝術雜誌的封面，批評家的焦點也已轉移。 漸漸地，普普藝術不再成為話題，到了七0年代，那時普普大致已被認為結束了。
一九八九年沃霍爾去世後，藝術館舉辦的回顧展與相關出版品，使得普普藝術史與商業價值上都進入一個新的里程碑。沉寂了幾年之後，在七O年代中期才又以藝術自我標榜的一片龐克現象中冒出頭角。新普普和舊普普時期有很多相似之處，我們很容易可以在素材上的使用、風格影像方面發現普普與新潮音樂、美術設計相近的素質。這種媒體藝術的引用與關係遙遠的素材情形，至今仍是後普普的一種現象。
普普藝術再次風行之後，複像作品將時間元素帶入繪畫作品的這種時間概念同樣也引人注目，但是在拼貼及綜合作品裡，就因該和前普普分開來說。後普普的大多數繪畫作品中，沒有拼貼、沒有大量生產的局部作品，他們代表激發消費的傳播媒體所製造的策略，使其成為具有市場價值的圖像，而不再像前普普的繪畫作品，只存在於代表資本主義的抽象領域中。
普普藝術這個融合了新寫實主義、新達達主義的運動，席捲了國際藝壇，從繪畫乃至雕刻、裝飾設計及電影等無不受其影響，事實上自英國普普運動發起以來，其風格特徵變化無常，非常難以確定它的統一風格，可以說是形形色色、多種多樣的折衷特點，唯一相同的基準大概是對正統的現在主義、國際主義的反動吧！
引據： 世界藝術史
普普藝術教父Andy Warhol安迪沃荷
安迪沃荷(Andy Warhol)【1928.08.06～1987.02.22，美國賓州人】， 開創後現代藝術的普普藝術，讓人有多采多姿的視覺藝術享受。 以絹印方式，大量運用色彩去拼貼、變化。 他生前的年代，社會正處於嬉痞、和平、資本主義、性別錯亂等等的時期，而在他的創作裡便可窺見一斑。 從性暗示、高飽和度的色彩、性感象徵、偶像崇拜等充分反映出當時社會大眾化的色彩。
金錢的象徵和隱喻，便代表了一切。 (也許是因為有錢支持藝術，藝術才更有炒作價值之感吧？！)
在他認為：藝術是和商業密不可分，認為藝術應該努力大眾化，打破了藝術和商業的隔閡； 在他觀念中：賺錢就是一種藝術，工作也是一種藝術，而賺錢的商業就是最棒的藝術。 於是把"普普風"藝術(POP Art =Popular Art)發揚到最高峰。 而都市的文明也是藝術創作的最好的材料。加上產品大量生產，便大量重複性的構圖作為呼應。 設計上最著名的，莫過於"康寶濃湯"(Compbell's)和可口可樂瓶的設計，完全藝術和商業的結合。
除此之外，他也跨足演藝與政治圈。 他認為政治人物、影劇偶像等，都是時代的反應，都是一種大眾文化的產物。 在作品裡，創作出家喻戶曉的明星與政治人物畫像 如"瑪莉蓮夢露"(Marilyn Monroe)、"貓王"(Elivs)、"毛澤東"(Mao)等絹版畫作。 當然也包括自己自畫像。 他諷刺的說︰明星、偶像、事物的知名度都是時代潮流的產物， 在人們眼中只有15分鐘的壽命，如同垃圾用完即丟、遺忘。 充分諷刺。 (試想：瑪莉蓮夢露、貓王等，在現代有何影響和啟示？嗯.....很多人應該想不出所以然來吧。)^ ^!!! 換個角度說法：每個人都有15分鐘成名的機會。 (試想︰你有15分鐘成名，那你要準備什麼讓世人注目呢？)
安迪沃荷的方式，藝術和商業的結合，也充滿著創意行銷。 吸引大家眼光，不注意也難。 完全顛覆藝術不再是高不可攀、清高的價值，反而更大眾化。 成為另一種商業藝術--普普藝術。
除此之外，他也成立了"地下絲絨"(The Velvet Underground)樂團，開啟了搖滾樂的另一頁。 雖然銷售不理想，但卻深深影響搖滾樂。 開啟了後來的"後龐克風"、"新浪潮"、"實驗搖滾"等誕生。 而著名的搖滾歌手：大衛鮑伊(David Bowie)當時也深受影響。
從1973年"Life on Mars"就可嗅出安迪沃荷作品的味道和當時的性別錯亂等色彩。 鮮豔的濃妝和服裝、沒有任何場景， 如普普風的畫作，高對比、高彩度、沒有任何空間可言相並論。 而在影劇上，他的手法是以冗長著稱，而且是屬於一種地下電影和實驗電影。 從毒品、sex、同志、變態等大膽題材，也反應出當時的一些時代衝擊。 有創意式的色情、和缺乏情節、過於冗長方式拍攝。讓人摸不著用意何在。
而讓他最忌妒的，便就是牛仔褲發明者--Levis，他覺得牛仔褲的誕生是讓人永久懷念和不可或缺的。 他支持整型，因為整型也是一種改造的藝術。 他也愛買內褲，認為買內褲是個人最私密的事，也告訴大家：從內褲可以認識一個人的內心。 他不斷創造出話題；從藝術、娛樂、政治....是個十足的話題製造家。 (也許當時媒體沒現代這麼多，足夠讓他有聚焦力吧...哈。) 很可惜的，在1987年病逝，享年59歲。 他的藝術品，收藏家相繼爭購，也成為"過世最會賺錢的藝術家之一"。
之後，在2006年，美國好萊塢電影拍攝一部和他相關的電影"縱情女郎"(Factory Girl)， 以安迪沃荷的工作室為故事中心。
安迪和女主角充滿了情感上微妙的糾葛與愛恨情愁。 安迪運用話題把女主角當藝術品炒作，讓女主角成為眾所皆知的明星。 但女主角卻被另一位男明星追求，給了女主角在安迪身上所沒有的愛。
也帶出了安迪對性的藝術與感情那種形容： "幻想式性愛勝於真實的性愛。性永遠不去做是非常刺激的。最棒的吸引力來自於從未相遇的兩極....... "
於是安迪由愛生恨一步步的計畫著..... 心理的一種佔有慾與報復。還有反應那時代夜夜笙歌的糜爛。
推薦電影：縱情女郎(Factory Girl)，2006年 美國
最後，台灣也有機會可以欣賞大師的畫作了。 不用飛到美國賓州匹茲堡(Pittsburgh, Pennsylvania, USA)的Andy Warhol美術館欣賞囉。 在2009年元月1日起至03月29日，在台北中正藝廊第一展廳， 展覽從1957年～1968年安迪沃荷121件藝術品。 安迪沃荷的普普風藝術是在後現代藝術很重要的一個指標。 此次展覽，算是台灣2009年新年第一展，算是為大家來年增添一點色彩吧。 無論藝術、設計、時尚；來享用一種普普風的精神食糧吧。 推薦大家有空可去看看。
來源；Youtube網站，Andy Warhol 美術館，維基百科。
李奇登斯坦 (Lichtenstein) : 將連環圖畫照抄放大
生涯時期陳述、兩百多幅彩色圖片，完整介紹美國普普藝術畫家李奇登斯坦的藝術生平與代表作品
美國藝壇巨人，著名的普普藝術家李奇登斯坦，1923年生於紐約，年輕時學習風景畫，後來熱衷於將動畫融於抽象表現主義繪畫，並不斷改變風格。五十年代末以「普普藝術」走紅，成為普普畫派先驅藝術家之一，一改原先畫風，以取材自漫畫及廣告動畫的內容用普普技術加以處理，幾乎是一夜成名。七十年代以「點式」畫風更多運用在高雅題材。李奇登斯坦的藝術生涯平步青雲，成為二十世紀藝壇影響最大、最廣被收藏的藝術家。
美國普普藝術的代表藝術家之一李奇登斯坦，出生於紐約，其正統藝術教育的養成是在俄亥俄州立大學，師事美國浪漫寫實畫家馬許(R. March,1898-1954)。第二次世界大戰之後，在1946年，他再度返校進修，完成其學士學位，並於1949年取得碩士。隨後任教於紐澤西的道格拉斯中學。
李奇登斯坦在1950年代初期，創作風格以幾何形式近乎行動繪畫抽象的表現。但自1961年起，他由平日常與兩個兒子畫卡通漫畫同樂，以及受周圍所交往的普普藝術家們的影響，遂發展出日後的個人藝術語彙。其創作主題與內容援引自電話簿、報紙或餐廳菜單的商業廣告、報章雜誌裡的圖像、以及，卡通和連環愛情漫畫。從生活中「現成的圖像」擷取單一圖像予以特寫，利用投影機將蒐集的圖像投影在畫布，略做打稿之後，即以筆刷或牙刷透過網版來回塗抹，製造出放大的印刷網點，又以粗獷的線條筆觸與明快鮮明的原色加以勾勒填實，鋪陳出簡潔、純化，令人耳目一新又平易易懂的藝術表現。網點、粗黑的線與原色是李奇登斯坦的藝術語彙。「溺水的女孩」完成於1963年，女孩泣淚自忖：「我不害怕，我寧可溺水也不願向巴德求救」。所表現出來的就是美國六○年代的普普文化，是生活裡熟悉的，任何人都可以看得懂的主題。(王蓮曄 撰)
Roy Lichtenstein "羅依‧李奇登斯坦"是取材於藝術老師David Barsalou 的副業作品漫畫"Arthur Peddy".Roy 向David買下這些漫畫圖像, 當時就花了一百萬美金, 然後重新創作. 以下就是原作品. 圖片的左下角, 都是Roy 對這格漫畫的重新創作. 雖然Roy的重新創作在圖像上似乎了無新意, 甚至像是拷貝原作品. 但是可取的是他把線條和顏色都簡單化, 這正符合普普藝術的訴求; 也很利於往後的漫畫大量複製印刷, 降低生產成本, 更普及於大眾.
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